ESQUEMA-ÍNDICE PROPUESTA FOTOGRÁFICA FINAL
Trabajos 10-3-Marzo
- Extraer más partido a Comando "Automatizar - Combinar para HDR":
- Combinar secuencias de imágenes que contengan porción de cielo y tierra.
Trabajos Semana 16-20 marzo
- Preparación 2º número revista DLS
- PORTADA Y CONTRAPORTADA:
Tomando como guía las realizadas para el nº inicial, buscaremos un elemento formal dominante reducido a su mínima expresión para centrar la atención y, al mismo tiempo, infundir un aire de intriga que sólo se desvelará en las páginas interiores.
- Para las 2 primeras páginas con el sumario y las iniciales en grande de la revista, se buscará una imagen abstracta a doble página con un sólo color absolutamente dominante y que se convierta en el leit motiv inconsciente del nuevo número, condicionando a su vez el formato y disposición de las siglas y texto.
- Para las páginas 3 y 4, la imagen, también a doble página, ofrecerá un encuadre sorprendente del centro, con una estructura de líneas que sirva de soporte inusual al editorial del presente número.
- Bloque de COMPOSICIÓN VISUAL:
1 - Qué significa Componer visualmente.
2. LOS CENTROS DE INTERÉS:
- Dada la suma importancia de establecer siempre en toda buena foto que se precie un CENTRO DE INTERES -elemento destacado y con mayor peso visual de la imagen-, en este trabajo nos esforzaremos por capturar y encuadrar siempre un elemento dominante de la escena al que debamos
casi forzosamente dirigir nuestra mirada.
- Básicamente, un elemento destaque sobre el resto de la imagen gracias a relaciones de CONTRASTE, líneas o direcciones guía, factores subjetivos, y, muy a menudo, por una combinación de varios de éstos.
Para ello, seguiremos las siguientes estrategias:
a.- Creación de TRÍADAS: está demostrado que en la imagen la creación de grupos impares de tres elementos origina un dinamismo visual muy sugerente, debiendo pesar más alguno de los tres elementos para que haya una jerarquía visual.
b.- Contrastar la forma mediante alguna de las cualidades siguientes: Posición, situación, orientación, tamaño, textura, color, iluminación, o varios a la vez.
c.- Aislar al sujeto con espacios vacíos envolventes.
d.- Hacer coincidir al elemento con la convergencia de líneas o direcciones visuales existentes merced a la forma de otros elementos (alargados) de la imagen -contornos o ejes estructurales-, la atracción entre formas similares crea direcciones, las "Visual Lines", etc.
e.- Situar al elemento a destacar sobre las posiciones "fuertes" del formato: los puntos o divisiones áureas, por ejemplo.
f.- Ubicar el elemento centrado pero en el tercio inferior del formato y dejar por encima bastante espacio negativo (técnica del fotógrafo Jose Mª Mellado).
- Centros fuertes de atención visual: Cuatro tercios / SECCIÓN y formatos AÚREOS
La sección áurea se halla en la famosa serie descubierta por Fibonacci (1,1,2,3,5,8,13,21,34,...), donde, a partir del segundo número, todos surgen de sumar los dos anteriores y donde, si dividimos cualquiera por su antecesor vamos obteniendo un número que tiende al número de oro o "phi" (1,618...).
3.- TRABAJO DE LA FORMA:
El acto de fotografiar supone manipular la realidad para mostrarla de algún modo diferente que de ninguna manera es ingenuo. Es decir, en general implica una alteración consciente de la escena para crear un determinado efecto. Por tanto, esa escena o historia puede ser contada de muchas maneras distintas y cada fotógrafo tiene la suya propia, su voz personal con la que conformar su particular universo de formas. En este rollo vamos a especular con la manera de presentar las formas en la imagen. Lo podemos hacer tomando como base los siguientes criterios:
1. - RECORTE
2. - FRAGMENTACIÓN
3. - ILUMINACIÓN
4. - ESCALA
5. - FORMAS GEOMÉTRICAS
6. - SILUETAS
7. - ESCORZOS (tensión por deformación)
8.- METÁFORAS
9.- REPETICIONES O SERIES DE ELEMENTOS
- Nos inspiramos en los maestros:
- HENRI CARTIER BRESSON
- ÁLEX WEBB
4.- LOS FORMATOS: (algunas ideas extraídas de textos de Jose Mª Mellado)
- Formatos verticales:
Antes que nada, es preciso referirnos a la proporción entre los lados del rectángulo, que es el formato de imagen más extendido en fotografía. Cuando nos referimos a formatos verticales u horizontales, básicamente estamos hablando de aquellos formatos que escapan a los formatos rectangulares normativos o estandarizados que se hallan comprendidos en una horquila que va desde 1:1,2 a 1:1,5 (la cifra de la izquierda hace referencia al lado vertical y la de la derecha al horizontal; la mayor se convierte en la unidad y la otra se representa como el cociente entre ambas), totalmente ya asimilados por la vista y, por eso, muy neutros a la misma. Por formatos "verticales" u "horizontales" significaremos a los que se hallan por encima de 1:1,5, que son más atrevidos y arriesgados.
Dado que la visión posee un ángulo visual horizontal mayor se halla más acostumbrada a la horizontalidad. Por ello, el formato vertical es menos natural a la percepción y cuesta algo más de esfuerzo en asimilarlo. Sin embargo, numerosas imágenes impresas en revistas, debido a su formato vertical, recurren a esta disposición para maquetar sus páginas. "El RETRATO es un género muy agradecido para las tomas verticales", pero para otro tipo de imágenes no resulta sencillo tener éxito compositivamente si se opta por la verticalidad. Si lo logramos, probablemente será más impactante que una buena fotografía apaisada.
- Formatos horizontales:
Generalmente son utilizados en el género paisajístico, y como se apuntó antes, son más asimilables perceptualmente. A pesar de ello, no es fácil componer con panorámicas ( 2,3 : 1 ó más) y poco práctico si nos excedemos de 2,5:1 porque son un problema para colgar las imágenes en cualquier espacio. Parece claro que hay que resolver estos espacios a base de líneas que se desarrollen en horizontal, si bien no hay que caer en la monotonía visual.
- Formatos cuadrados (1:1):
Son el formato preferido por numerosos artistas ya que es, en términos generales, más aséptico o neutro, debiendo ser el fotógrafo el que cree las direcciones partiendo casi de cero. Por ejemplo, la gran fotógrafa de la Agencia Mgnum, Olivia Arthur, lo emplea preferentemente con gran acierto en casi todas sus imágenes.
CURSO 2013-14
a.- Creación de TRÍADAS: está demostrado que en la imagen la creación de grupos impares de tres elementos origina un dinamismo visual muy sugerente, debiendo pesar más alguno de los tres elementos para que haya una jerarquía visual.
b.- Contrastar la forma mediante alguna de las cualidades siguientes: Posición, situación, orientación, tamaño, textura, color, iluminación, o varios a la vez.
c.- Aislar al sujeto con espacios vacíos envolventes.
d.- Hacer coincidir al elemento con la convergencia de líneas o direcciones visuales existentes merced a la forma de otros elementos (alargados) de la imagen -contornos o ejes estructurales-, la atracción entre formas similares crea direcciones, las "Visual Lines", etc.
e.- Situar al elemento a destacar sobre las posiciones "fuertes" del formato: los puntos o divisiones áureas, por ejemplo.
f.- Ubicar el elemento centrado pero en el tercio inferior del formato y dejar por encima bastante espacio negativo (técnica del fotógrafo Jose Mª Mellado).
- Centros fuertes de atención visual: Cuatro tercios / SECCIÓN y formatos AÚREOS
La sección áurea se halla en la famosa serie descubierta por Fibonacci (1,1,2,3,5,8,13,21,34,...), donde, a partir del segundo número, todos surgen de sumar los dos anteriores y donde, si dividimos cualquiera por su antecesor vamos obteniendo un número que tiende al número de oro o "phi" (1,618...).
El acto de fotografiar supone manipular la realidad para mostrarla de algún modo diferente que de ninguna manera es ingenuo. Es decir, en general implica una alteración consciente de la escena para crear un determinado efecto. Por tanto, esa escena o historia puede ser contada de muchas maneras distintas y cada fotógrafo tiene la suya propia, su voz personal con la que conformar su particular universo de formas. En este rollo vamos a especular con la manera de presentar las formas en la imagen. Lo podemos hacer tomando como base los siguientes criterios:
1. - RECORTE
2. - FRAGMENTACIÓN
3. - ILUMINACIÓN
4. - ESCALA
5. - FORMAS GEOMÉTRICAS
6. - SILUETAS
7. - ESCORZOS (tensión por deformación)
8.- METÁFORAS
9.- REPETICIONES O SERIES DE ELEMENTOS
- Nos inspiramos en los maestros:
- HENRI CARTIER BRESSON
- ÁLEX WEBB
4.- LOS FORMATOS: (algunas ideas extraídas de textos de Jose Mª Mellado)
- Formatos verticales:
Antes que nada, es preciso referirnos a la proporción entre los lados del rectángulo, que es el formato de imagen más extendido en fotografía. Cuando nos referimos a formatos verticales u horizontales, básicamente estamos hablando de aquellos formatos que escapan a los formatos rectangulares normativos o estandarizados que se hallan comprendidos en una horquila que va desde 1:1,2 a 1:1,5 (la cifra de la izquierda hace referencia al lado vertical y la de la derecha al horizontal; la mayor se convierte en la unidad y la otra se representa como el cociente entre ambas), totalmente ya asimilados por la vista y, por eso, muy neutros a la misma. Por formatos "verticales" u "horizontales" significaremos a los que se hallan por encima de 1:1,5, que son más atrevidos y arriesgados.
Dado que la visión posee un ángulo visual horizontal mayor se halla más acostumbrada a la horizontalidad. Por ello, el formato vertical es menos natural a la percepción y cuesta algo más de esfuerzo en asimilarlo. Sin embargo, numerosas imágenes impresas en revistas, debido a su formato vertical, recurren a esta disposición para maquetar sus páginas. "El RETRATO es un género muy agradecido para las tomas verticales", pero para otro tipo de imágenes no resulta sencillo tener éxito compositivamente si se opta por la verticalidad. Si lo logramos, probablemente será más impactante que una buena fotografía apaisada.
- Formatos horizontales:
Generalmente son utilizados en el género paisajístico, y como se apuntó antes, son más asimilables perceptualmente. A pesar de ello, no es fácil componer con panorámicas ( 2,3 : 1 ó más) y poco práctico si nos excedemos de 2,5:1 porque son un problema para colgar las imágenes en cualquier espacio. Parece claro que hay que resolver estos espacios a base de líneas que se desarrollen en horizontal, si bien no hay que caer en la monotonía visual.
- Formatos cuadrados (1:1):
Son el formato preferido por numerosos artistas ya que es, en términos generales, más aséptico o neutro, debiendo ser el fotógrafo el que cree las direcciones partiendo casi de cero. Por ejemplo, la gran fotógrafa de la Agencia Mgnum, Olivia Arthur, lo emplea preferentemente con gran acierto en casi todas sus imágenes.
CURSO 2013-14
1.- AJUSTES BÁSICOS DE LA IMAGEN I
I.1.- Niveles
a.- Primero
IMPORTO las fotos del carrete que ya he descargado en una carpeta de mi
ordenador al programa de gestión de fotos que más me gusta de todos: ADOBE
LIGHTROOM, una auténtica pasada. Observen la interfaz de uno de sus 7 módulos,
el de la llamada “Biblioteca”:
+22.30.32.png)
b.- Después
hago clic con el botón derecho sobre la previsualización de la diapo, y
selecciono Editar en – Abrir como objeto inteligente en Photoshop, lo que me
permite, una vez abierto en dicho programa, hacer doble clic sobre la miniatura
de la imagen en la capa, y abrirla en el famoso Revelador de Photoshop, ACR o
Adobe Camera RAW, que una potente aplicación para empezar a pulir las imágenes
de forma profesional.
+22.42.06.png)
+22.48.58.png)
c.- Una vez
hechos algunos ajustes básicos e importantes, clicamos en Aceptar para volver a
Photoshop y continuar la edición de la foto.
d.- Vamos a
IMAGEN – Ajustes: vemos que hay 5 segmentos de ajustes, y nos quedamos por
ahora con el primero o más básico, y concretamente clicamos en Niveles (o pulsamos el atajo Ctrl-L).
+22.25.11.png)
e.- Se
despliega la ventana de Niveles, que nos muestra un cuadro de diálogo con un
histograma en el centro; podemos ajustarlo simplemente moviendo los tiradores
laterales hasta que se adapten perfectamente al inicio y fin de la curva.
Y al hacerlo, debemos pulsar Alt
mientras desplazamos cada tirador: con el blanco, la imagen se vuelve negra y
mientras se mueve van apareciendo zonas de color que indican lo que vamos
perdiendo de información, por ello, conviene no pasarse; con el tirador negro
la imagen se vuelve blanca y sucede lo mismo pero en las zonas en sombra.
+22.30.00.png)
+01.01.54.png)
+01.06.20.png)
Vamos a las OPCIONES de corrección de color en
automático y vemos que hay 4; normalmente las mejores son las 2 primeras; en mi
imagen prácticamente no hay diferencia entre ellas. En la parte inferior vemos
cómo podemos ajustar en valor de los recortes en negro y blanco, esto es, la
cantidad de información que permitimos que pierda el programa al realizar el
ajuste. En el recorte en blanco vamos a colocar el valor mínimo posible, 0,01
(pero también podemos probar a poner un valor más alto -0,30 por ej.-, darle a
OK, y en la ventana de niveles pulsar mientras clicamos en el triángulo blanco
para ver cuánto se pierde.
Resultado final...
I.2.- CURVAS:
- Otro estilo de ajuste, más completo que
el anterior, es el del panel de Curvas. Vamos a Imagen – Ajustes – Curvas (o
con Ctrl-M).
Podemos hacer el ajuste manualmente como en
Niveles desplazando poco a poco el tirador de la izquierda y el de la derecha
hasta que veamos que empiezan a aparecer las primeras manchas de color; aquí en
curvas esto lo podemos ver o con Alt o clicando en la casilla “Mostrar
recorte”.
Pero lo realmente bueno de este panel es que podemos
controlar el CONTRASTE de una forma más precisa que en Niveles; lo hacemos
creando dos puntos en la diagonal de la gráfica: uno al centro que subimos para
generar grises y otro en el tercio inferior –de las sombras- que debe quedar
por debajo del anterior, para que no se solarice la imagen.
+01.39.09.png)
+02.04.45.png)
En la imagen superior, la imagen ha ganado un poco de contraste respecto de la primera en la que lña casilla de previsualizar no está activada.
Luego, Curvas nos ofrece más opciones; En la casilla “Canal”
podemos seleccionar uno a uno los 3 canales y hacer modificaciones de balance
color. Por ejemplo, en el ejemplo le he dado una dominante cálida para
transmitir la sensación de imagen un poco antigua.
+02.11.04.png)
I.3.- TONO/SATURACIÓN:
Vamos a hacer otro ajuste básico yendo a Imagen –Ajustes –(
en el 2º bloque) Tono/Saturación. O bien
pulsamos su atajo, Ctrl-U.
Se despliega la ventana y vemos que hay 3 controles, de
Tono, Saturación y Luminosidad; de ellos, dos son malos y uno bueno; el único
bueno, es el del medio, porque el del tono, si lo modificamos podemos hacer un
desastre, y el de luminosidad, es mejor hacerlo con Niveles o con Curvas.
Podemos desplegar la casilla de “Todos”, para ver los
distintos canales independientes con los que podemos trabajar; podemos
seleccionar por ejemplo el cián, y desaturarlo solo a él.
Pero la manera más fácil de variar la saturación es, con “Todos”
los canales, clicar en el dedo que aparece en la esquina inferior izquierda e
ir a la zona de la imagen que queremos variar, vemos cómo se transforma en una pipeta o cuentagotas, y al clicar en la zona, el programa
automáticamente selecciona el canal detectado, para que, desplazando a un lado o al
otro el dedo, saturamos o desaturamos ese canal.
Abajo se ve un ejemplo, con el antes y el después.
+02.31.52.png)
+02.32.21.png)
I.4.- EQUILIBRIO DE COLOR:
Imagen- Ajustes- Equilibrio de color (o bien, Ctrl-B).
Con esta función podemos limpiar el color eliminando alguna
luz parásita de la imagen o alguna dominante cromática indeseada.
Con Ctrl-B se despliega la ventana de Equlibrio de color en
la que apreciamos tres filas con las tres parejas colores complementarios. Y
como vemos podemos ver podemos trabajar a 3 niveles diferenciados:
Iluminaciones, Medios tonos y Sombras.
Por eso, para trabajar con esta herramienta, primero
conviene que comprobemos qué es lo que entiende Photoshop por cada uno de esos
conceptos. Vamos por tanto, al menú de Selección – Gama de colores y activamos
sucesivamente las casillas con cada uno de esos tres términos que figuran en la
parte inferior de la ventana; así veremos en blanco qué parte de la imagen
modificaremos cuando hagamos el ajuste de equilibrio cromático. (Aunque en la
imagen inferior, la miniatura de la ventana se ve en color, en el programa la
vemos en blanco y negro).
+02.44.00.png)
Una vez visto eso, regresamos a la ventana de Equilibrio de
color y vamos a trabajar cada uno de los tres niveles.
No deberemos por lo general y en ninguno de los niveles,
sobrepasar valores de 10, sino más bien jugar en torno a valores de 3, 4 ó 5
por nivel.
+02.53.47.png)
+02.54.37.png)
Resultado final para esta imagen:
+03.01.59.png)
2.- PROYECTOS DE DAGUERROTIPOS DIGITALES
2.1.- Métodos de conversión a ByN:
- Seguir los procesos indicados más abajo en Curso 2012-13.
2.2.- MÉTODOS "VINTAGE":
2.2.1.- MÉTODO 1:
a.- Necesitamos al menos 2 imágenes: la principal que deseamos envejecer y una textura de
papel antiguo.
papel antiguo.
b. - Creamos capa de ajuste de Tono/Saturación - Seleccionamos casilla de "colorear" y un color que queramos entre todo el espectro, prefrentemente uno cálido. Probamos ajustando también la saturación y la luminosidad de la imagen dejándola donde el efecto más nos agrade.
c.- Si ya tenemos abierta la foto en una ventana, clicamos en ella y arrastramos hasta la pestaña de la imagen que estamos transformando, hasta que aparezca la misma y, pulsando mayúscula soltamos la textura del papel, que quedará así centrada en la imagen.
d.- Para fusionar ambas capas, experimentaremos con los distintos modos de fusión; por ejemplo, podríamos probar con el modo "multiplicar", "subexponer color", "color más oscuro", etc., y regularlos luego con la opacidad de la capa. Nos quedaremos tal vez con "Luz fuerte", que proporciona bastante textura de "envejecido", pero ajustando la opacidad alrededor de un 50%.
e- Creamos una nueva capa de ajuste de Niveles y trabajamos los "tonos de salida" (barra horizontal e inferior al histograma). Modificaremos los dos deslizadores de los extremos, tanto el negro como el blanco, a fin de que no hayan negros ni blancos absolutos en la imagen, lo que suele ser habitual en las imágenes deterioradas por el paso de mucho tiempo. Llevamos los valores hasta aproximadamente un 15 ó 16 para el detensor izquierdo del negro, y a un 240 para el detensor de la derecha del blanco.
f- Ahora agrupamos todas las capas creadas (salvo la del fondo con la imagen inicial): seleccionamos las 3, y con la tecla de mayúscula pulsada, clicamos en el símbolo de carpeta que está en la parte inferior del panel de capas. Si quisiéramos, seleccionando la capa Fondo, podríamos trabajar solo en esta capa puliendo la imagen a través de Niveles o Curvas, o con el pincel corrector (j), eliminarndo algún detalle que nos desagrade.
2.2.2.- MÉTODO 2:
a.- Abrimos la imagen, clic botón derecho en la capa: CAPA A PARTIR DE FONDO = Capa; creamos Nueva capa y la posicionamos debajo de la anterior; Con blanco como color frontal, vamos a Menú CAPA - Nueva capa - Fondo a partir de capa, y así se convierte la nueva capa en un fondo blanco.
b.- Clic derecho en la Capa 0 - Convertir en objeto inteligente. Menú FILTRO - Distorsionar - (según versión de Photoshop) Corrección de lente - Corrección a medida - Viñeta: -100 y Punto Medio: +40 aproximadamente. Como es un objeto inteligente, podremos variar el valor de los efectos aplicados en la capa en cualquier momento.
c.- Creamos capa de ajuste de Curvas - Y, seleccionando sucesivamente cada canal, conseguimos las siguientes curvas:
d.- Capa de ajuste de Tono/Saturación: Clicamos en "colorear" y movemos los tiradores hasta conseguir en Tono, Saturación y Luminosidad unos valores de 53, 25 0. Bajamos la opacidad hasta 50.
e.- Nueva capa - Clic en Selector de color Frontal: ff00a8 - Menú EDICIÓN - Rellenar - Contenido:Usar - Color Frontal (o Shift-F5) - Opacidad a un 8-10%.
2.2.2.- MÉTODO 3: EFECTO DAGUERROTIPO.
a.- Abrir imagen de entre las tomadas con la cámara el martes; Ctrl-J para copiar la capa= CAPA 1. Convertir en ByN a través de capa de ajuste ByN, y trabajar probando con los distintos canales de color.
a.1- Menú Filtro - Desenfoque Gaussiano: un valor de 0,3 a 1 aproximadamente.
a.2- Menú Filtro - Texturas - Ruido - Añadir Ruido - Clicamos en casillas de "monocomo" y "gaussiano". Ajustamos el valor de "cantidad" a 5 ó 6 aproximadamente.
b. - Nueva capa: CAPA 2: Herramienta "Bote de pintura" (G) - Color frontal Blanco - Clic en imagen para rellenar de blanco.
b.1- Filtro - Textura - Granulado - Tipo de granulado: Vertical.
b.2- Modo de fusión: Multiplicar.
c. - Ctrl - Alt - May - E , para fusionar todas las capas en una sola a partir de la que seguir trabajando.
d. - AÑADIMOS TEXTURAS:
d.1.- A fin de que parezca un daguerrotipo buscaremos texturas metalizadas y seleccionaremos una, cuanto más desgastada mejor. Guardamos el archivo; vamos al menú Archivo - Colocar - Se abre un cuadro en el que ubicaremos y seleccionaremos la textura metalizada y clicamos en colocar; nos la copia en una capa como objeto inteligente, ajustamos su dimensión a la de la imagen y rasterizamos (clic botón derecho sobre la capa). Colocamos un Modo de fusión de Diferencia. Jugamos con los valores de Opacidad y Relleno como mejor nos parezca.
d.2.- Para dar la impresión de antiguo, buscamos un papel vintage y lo acoplamos tal y como hicimos en el paso anterior. Elegimos Modo de fusión Superposición o Subexponer Color, pudiendo poner la opacidad al 50% (o más) y dejando el Relleno al 100%.
e.- Creamos un CÍRCULO DIFUMINADO: Nueva Capa y hacemos una selección circular alrededor del motivo principal de la imagen (herramiento marco elíptico), y lo rellenamos de blanco. Vamos a Menú Filtro - Desenfoque Gaussiano, y difuminamos un poco los bordes. Luego, expandimos el círculo con Ctrl -T o con Modificar Selección, y bajamos la opacidad de la capa aprox. al 30%. Aplicamos un Modo de Fusión de Luz Suave.
f.- ÚLTIMOS RETOQUES: A partir de ahora, solo resta acabar de pulir la imagen dándole un toque personal con Tono/Saturación, Niveles o Curvas, etc.
g.- Ctrl-Alt-Shift-E, para unificar el proceso en una capa. Botón derecho en la capa, seleccionamos "Duplicar capa" y creamos un documento nuevo.
h.- Renombramos la Capa 0, por ejemplo como "imagen". Creamos Nueva capa (clic en icono inferior de la ventana de capas) y la capa se crea debajo de la capa "imagen", y la nombramos como "Fondo". Rellenamos esta capa con color negro.
i.- En capa Imagen: Marco rectangular (M) - Valor en casilla de Desvanecimiento de 120 - Pulsando Shift-Alt dibujamos un cuadrado perfecto en el centro de la imagen pero con las esquinas curvas (lo que dará luego unos bordes difuminados) - Menú SELECCIÓN - Perfeccionar: Transformar selección: ajustamos el cuadrado llevándolo hacia los bordes de la imagen y dejando 1 cm aprox. de separación - clic en Ok para activar el cambio. Invertimos la selección con Ctrl-Shift-I y clic en Delete. Ctrl-D para deseleccionar.
j.- En Capa Fondo: Doble clic en la capa para Desplegar el cuadro de "Estilo de Capa" podemos hacer varios ajustes alternativos: En "Superposición de colores", elegir un tono azulado para los bordes de la imagen; o en "Superposición de degradado", elegir uno de entre las muchas opciones que hay.
k.- Por último, podemos pegar otra imagen encima de la capa "Imagen": Menú ARCHIVO - Colocar - seleccionamos la imagen - Colocar. Y con marco, esta vez por ejemplo, elíptico, hacemos lo mismo que antes en el paso "b", e incluso, con la selección activa, clic botón derecho, Deformar, podemos variar a nuestro gusto la forma de la selección. Invertimos la selección y Delete.
PARÉNTESIS LUDOTEÓRICO
· Viñeteados: Marco; Invertir selección; Curvas; Desenfoque
Gaussiano.
· Marcos con
máscara:
· Forma-radio:100 px-
· Ctrl-clic en la miniatura para selección
· Eliminamos capa forma
· Ctl-May-I para invertir selección
· Capa color uniforme; elegir color oscuro y clic en la
máscara de la capa
· Ventana de propiedades de máscara – Desvanecer borde
de máscara
· Perfeccionar máscara con pincel negro o blanco sobre
la máscara según la imagen
· Marcos con
Free Film Borders:
· Importar, rotar y escalar según la imagen a trabajar
· Colocar imagen –encima del marco- y escalar para
ajustar a los bordes del marco
· Colocar máscara y pintar encima en caso de que la
imagen tape números del frame
· Capa imagen en modo multiplicar
· Ajustar los niveles a toda la imagen para unificar
· Marco de
borde blanco:
· Cambiar fondo por capa 0 (doble clic en espacio vacío
de la capa fondo).
· Crear capa y colocar bajo la imagen. Pulsar
Ctrl-Alt-C, para abrir cuadro de diálogo de Canvas y aumentar 5 ó 10 cm por
cada lado. Rellenar capa de un tono claro pero distinto de blanco.
· Volver a capa con imagen, hacer doble clic en espacio
vacío de la capa para abrir cuadro de diálogo de Estilo de capa: Seleccionar
Trazo, cambiar color a blanco, y en Posición colocar “interior”; seleccionar
Sombra paralela, con ángulo de 180º y probar con el resto de valore.
· Hay que tener en cuenta que con este método
eliminamos un poco del contorno de la imagen.
· Marco
efecto Polaroid:
- Ctl-N: Creamos archivo de 3,6 pulg ancho x 4,6 pulg alto y 144 ppp. Fondo blanco. Lo guardamos como “Marco POLAROID”. - Herramienta “U” en modo FORMA, y en el menú contextual de la herramienta indicamos como color de relleno (blanco u otro tono muy pálido) y colocamos las medidas anteriores escribiendo en la casilla del Ancho “3,6 pulg” y en la de la altura "4,2 pulg”; hacemos clic en la imagen, clic en OK; pulsamos “v” (herramienta mover) y arrastramos la forma hasta que se ancle en las esquinas del fondo. - Capa nueva. Herramienta “U”, modo Forma, Alinear con lienzo, Ancho: "3,2 pulg”, Alto: “3,2 pulg”; clic en la imagen, clic en OK. Herramienta “A” (Selección de trazado) y, haciendo clic dentro de la forma para seleccionarla; vamos a la casilla de alineación de las formas en el menú contextual de la herramienta U, y clicamos en "Centros horizontales”, con lo que la forma se alinea horizontalmente con la otra forma anterior creada. Con la flecha inferior del teclado la desplazamos luego verticalmente hasta dejar en el lado superior el mismo ancho que en los laterales. - En documento aparte, tenemos la imagen preparada, editada en HDR, la copiamos (Ctrl-A, Ctrl-C), vamos al documento de Marco POLAROID y pulsamos Ctrl-V, con lo que se copia en una nueva capa en la parte superior. Con Alt pulsado, vamos a la ventana de Capas, y, situándonos sobre la línea de separación de la capa de la imagen con la inferior de la forma, hacemos clic para crear una MÁSCARA DE RECORTE. Con Ctrl-T y pulsando siempre mayúscula para que no se deforme, lo ajustamos al formato de la máscara de recorte, y, manteniendo la mayúscula pulsada, lo desplazamos horizontalmente según nos guste más el encuadre. - Posicionándonos en la capa de la Forma marco (la penúltima por arriba), y haciendo doble clic en el espacio vacío de la capa, se la ventana ESTILO DE CAPA: Clic en “Sombra Interior” activando en azul la opción y colocamos los siguientes valores: Modode fusión: Normal; Opacidad: 28%; Ángulo: 120º; Distancia: 1; Retraer: 30; Tamaño: 6. Así le conferimos relieve al marco de la polaroid. O también:
· Ctrl-N: Colocar valores de 3,6 pulg x 4,2 pulg, 144 ppp.
· Con Herram. “U”, rectángulo y en modo Forma, creamos uno:
clicamos los valores de anchura (3,5 pulg) y altura (4,2 pulg), color relleno
negro, enter, clic en la imagen, aceptar; y ya tenemos el rectángulo. Lo ajustamos al fondo.
· Colocándonos en la capa Fondo, Creamos el cuadro
interior de la polaroid con la misma herramienta “U”, e introduciendo los
nuevos valores como hicimos antes: 3,2 pulg y 3,2 pulg, color relleno gris,
enter, clic en la imagen; movemos esta capa encima de la del rectángulo
negro.
· Seleccionamos las dos capas de las dos formas
pulsando mayúscula y haciendo clic, alineamos ambas capas horizontalmente y
desplazamos luego el cuadrado gris claro hacia arriba hasta casi igualar la
distancia de los laterales. Enlazamos las dos capas clicando en el primer
icono que aparece en la parte inferior de la ventana de capas. Cambiamos el
color de la capa forma del rectángulo mayor haciendo doble clic en la miniatura
de capa, y escogiendo el color blanco.
· Seleccionamos la imagen, la colocamos en una capa que
ubicamos en la parte superior, y hacemos una MÁSCARA DE RECORTE, pulsando Alt
y clicando entre las dos capas.
|
desplazarla horizontalmente.
Si seleccionamos alguna de las dos capas de forma, como están enlazadas, si pulsamos
Ctrl-T, podemos variar la proporción de ambas
para reencuadrar como nos guste la imagen.
TRABAJO CON MÁSCARAS DE CAPA Y VECTORIALES
Pasos:
- Seleccionar imagen con figura/s que deseemos enmascarar para realizar algún cambio solo dentro de su contorno, es decir en su DINTORNO.
- Seleccionamos su contorno por el método de la pluma para realizar un trazado vectorial lo más preciso posible; ello creará simultáneamente un trazado en el panel TRAZADO. cuando lo finalicemos o durante el trabajo deberemos darlo de alta renombrándolo (haciendo doble clic en el nombre y cambiándoselo).
- Si hacemos clic en el trazado, vemos la línea del mismo en la imagen, y con ctrl-clic sobre el mismo teniendo la herramienta pluma activa, vemos todos los nodos y podemos arastrarlos y modificarlos.
- Con Ctrl-clic en la miniatura del trazado se convierte en una selección que podremos modificar en el menú SELECCIÓN - MODIFICAR, donde encontramos varias opciones interesantes como DESVANECIMIENTO, por ejemplo, que difumina los bordes unos cuantos píxeles. que, en el panel de capas, podemos transformar en una MÁSCARA DE CAPA (la primera que se posiciona al lado de la miniatura de la imagen) que es de mapa de bits, y con la zona seleccionada en blanco -activa- y el resto en negro; con esa máscara podemos pintar en la zona blanca o activa.
- MÁSCARA VECTORIAL: Es un recorte alrededor de la figura seleccionada
- Con el trazado seleccionado y visible, vamos al menú CAPA y clicamos en Máscara Vectorial - Trazado actual, y se crea una máscara vectorial automáticamente al lado de la miniatura de capa. Dependerá de la versión, pero en CS6, en el menú VENTANA, si seleccionamos PROPIEDADES, ahí podremos variar la opacidad de la máscara y desvanecer en dtto. grado su borde.
- Pero además, podemos crear una máscara de capa en la misma capa, que si no tenemos ninguna selección activa, saldrá en blanco; hacemos clic en ella, pulsamos herramienta degradado y con degradado de tono frontal a transparente, y haciendo clic en la imagen y arrastrando generamos una máscara degradada sobre la imagen que difumina el efecto de la máscara vectorial.
TRABAJO CON MÁSCARAS DE CAPA Y VECTORIALES
Pasos:
- Seleccionar imagen con figura/s que deseemos enmascarar para realizar algún cambio solo dentro de su contorno, es decir en su DINTORNO.
- Seleccionamos su contorno por el método de la pluma para realizar un trazado vectorial lo más preciso posible; ello creará simultáneamente un trazado en el panel TRAZADO. cuando lo finalicemos o durante el trabajo deberemos darlo de alta renombrándolo (haciendo doble clic en el nombre y cambiándoselo).
- Si hacemos clic en el trazado, vemos la línea del mismo en la imagen, y con ctrl-clic sobre el mismo teniendo la herramienta pluma activa, vemos todos los nodos y podemos arastrarlos y modificarlos.
- Con Ctrl-clic en la miniatura del trazado se convierte en una selección que podremos modificar en el menú SELECCIÓN - MODIFICAR, donde encontramos varias opciones interesantes como DESVANECIMIENTO, por ejemplo, que difumina los bordes unos cuantos píxeles. que, en el panel de capas, podemos transformar en una MÁSCARA DE CAPA (la primera que se posiciona al lado de la miniatura de la imagen) que es de mapa de bits, y con la zona seleccionada en blanco -activa- y el resto en negro; con esa máscara podemos pintar en la zona blanca o activa.
- MÁSCARA VECTORIAL: Es un recorte alrededor de la figura seleccionada
- Con el trazado seleccionado y visible, vamos al menú CAPA y clicamos en Máscara Vectorial - Trazado actual, y se crea una máscara vectorial automáticamente al lado de la miniatura de capa. Dependerá de la versión, pero en CS6, en el menú VENTANA, si seleccionamos PROPIEDADES, ahí podremos variar la opacidad de la máscara y desvanecer en dtto. grado su borde.
- Pero además, podemos crear una máscara de capa en la misma capa, que si no tenemos ninguna selección activa, saldrá en blanco; hacemos clic en ella, pulsamos herramienta degradado y con degradado de tono frontal a transparente, y haciendo clic en la imagen y arrastrando generamos una máscara degradada sobre la imagen que difumina el efecto de la máscara vectorial.
- Algo muy interesante: Todos los trazados que realices, puedes covertirlos en FORMAS PERSONALIZADAS en una paleta creada por photoshop en la herramienta de FORMA (U) para tal efecto: solo tienes que activar el trazado, ir al menú EDICIÓN - Definir Forma Personalizada - y asignarle un nombre; inmediatamente se añade a la paleta antes comentada que está en el menú contextual de la herramienta U cuando clicas en Forma.
+19.08.13.png)
- EJERCICIOS:
1.- 2 DAGUERROTIPOS
2.- FOTOMONTAJE PEACH-ROBINSON
3.- PORFOLIO INSTITUTO
- EJERCICIOS:
1.- Aplica las funciones de las máscaras en una imagen en la que separes la o las figuras del fondo, tamizando éste con una veladura de color; añade además sombras alterando las selecciones -para agrandarlas, por ejemplo- con Ctrl-T, desvaneciendo sus bordes, rellenando de color las mismas y aplicando modos de fusión.
2.- Aplicando máscaras, convierte una fotografía en una imagen de tonos planos.
3.- HOMENAJE A E. STEICHEN: Portada de VOGUE o VANITY FAIR a partir de un fotomontaje en que uses algún autorretrato, crees el trazado del nombre de la revista y añadas algún toque temático original.
(Entrega: 15 nov)
4.- homenaje a KARL BLOSFELDT y LA FOTOGRAFÍA OBJETIVA: DÍPTICO VEGETAL.
3.- PROBANDO LA SENSIBILIDAD DE LA CÁMARA.
- REALIZAR 4 TOMAS DE INTERIORES AJUSTANDO LA SENSIBILIDAD A 100,
400, 800, 1600 ASA.
COMPROBAR EN CADA CASO QUE LOS HISTOGRAMAS SON CORRECTOS
AJUSTANDO LOS DEMÁS PARÁMETROS DE EXPOSICIÓN.
4.- IDEA TOMADA DE OTRO BLOG DE FOTOGRAFÍA QUE ME PARECE MUY
INTERESANTE:
INTERESANTE:
- DÍPTICO VEGETAL
Busquemos la inspiración en las obras de:
El maestro de la Nueva objetividad alemana, Karl blossfeldt ,
Busquemos la inspiración en las obras de:
El maestro de la Nueva objetividad alemana, Karl blossfeldt ,
o en el lenguaje rotundamente elegante del norteamericano Robert Mapplerthorpe,
O en las formas descubiertas en la fotografía directa del también norteamericano Edward Weston,
Propuesta propia:
A RESULTAS DE LAS CAPTURAS PARA EL DÍPTICO VEGETAL...
Deberíamos intentar lograr una imagen como la siguiente, en cuanto a la combinación de imágenes:
Aquí va otro ejemplo y los pasos a seguir:
- Seleccionamos 2 parejas de fotografías que creamos puedan dar
una combinación interesante (la mayoría de las veces, la única
forma de saberlo es probando y/o experimentando:
- Imagen 1: 3 capas de niveles (multiplicar, trama, luz
suave).
- En el caso de que sean de dsitinto tamaño o resolución,
o una vertical y la otra htal., clicamos en la de
menor tamaño - "C", clic botón derecho "usar tamaño y
resolución de imagen frontal - clic en imagen de mayor tamaño
y veremos como se recorta automáticamente al tamaño de la
otra - doble clic.
- Imagen 2: Color Lab- Luminosidad - Editamos los
niveles - Escala de grises - "V", mayúscula pulsada,
arrastramos sobre la pestaña de la 1ª imagen hasta que
aparezca ésta y soltamos (la imagen se superpone en una capa
centrada).
- Imagen 1: Capa 1 - añadimos máscara - clic en la máscara -
"G" (nos fijamos que está la herramienta degradado - si no,
mayúscula-"G" -)- probamos con los distintos degradados
(lineal, radial, de ángulo, reflejado, de diamante) y nos
quedamos con el mejor efecto.
ALGUNOS MÉTODOS DE CONVERSIÓN A
BLANCO Y NEGRO:
BLANCO Y NEGRO:
1. Capa
de Ajuste MAPA DE DEGRADADO:
a.- Imagen
– ajustes – Mapa de degradado – Click en
banda
de degradado: Ventana Editor de degradado: Seleccionar
arriba, si no lo está por defecto, degradado Negro, blanco
– añadir en el centro un detensor en
la parte inferior de
la tira del degradado (aparece de color negro pero lo
cambiamos):
-
Doble clic en el detensor y se
abre el editor de
degradado
– hacer clic y arrastrar el
cursor hacia la izqda. y
seleccionar un gris que quede bien al mirar la foto;
cerramos en el selector–.
- En el editor, movemos el detensor de
un lado a otro
dejándolo donde nos guste más el efecto.
- Guardar versión.
- Probar:
1.- Disminuir
al 70% la opacidad de la capa del mapa de
degradado.
- Guardar versión.
2.- Eliminar el color de la capa fondo
(devolviendo al
100% la opacidad de la capa anterior) – Guardar.
Comparar con la anterior.
- Guardar versión.
b.- CUATRITONOS:
a.-
Imagen anterior – Modo – Escala de grises.
b.- Imagen – Modo – Duotono –
Ajustes preestablecido:
- Cuatritono “Bl 541
513 5773”
- Duotono “478
brown
(100%) bl 4”.
- Tritono “Bl WmGray 7 WmGray 2”.
- Duotono “ Warm Gray
11 bl 2”.
- Guardar versiones.
c.- Buscar y aplicar al menos 3 “politonos” más
que les
gusten.
- Guardar versiones.
2. CAPA “BLANCO y NEGRO” (Para imágenes
con colores no muy
marcados):
a.- Aquí trabajamos con cada uno de
los colores de la foto,
seleccionando cada uno y desplazando los distintos
cursores de la ventana o,
directamente sobre la propia
imagen con la herramienta” TAT(mano).
Guardar versión.
3. CAPA “MEZCLADOR DE CANALES”: (Para
fotos con rojo, verde y
azul muy vivos):
azul muy vivos):
a.- Aquí se trabaja sobre los
canales de color (un mismo
canal como el verde afecta a los amarillos, naranjas,
rojos, verdes y cianes,
pues estos se componen en dtta.
medida de verde) y con el contraste, seleccionando la
casilla
de “monocromo”.
Guardar versión.
b.- Hacer conversión selectiva aplicando
una máscara a la
capa.
Guardar versión.
4. COLOR LAB Y LUMINOSIDAD
- Menú Imagen - Modo "Luminosidad" (Aceptar).Ir a paleta
Canales y seleccionar el canal de luminosidad. Convertir
luego a Escala de grises (descartar información de color).
5. MÉTODOS DE AUTOR:
5.1.- Método Método para lograr la apariencia de la FOTOGRAFÍA
(Tras experimentar con éste método, crear una acción para
disponer de él fácilmente)
1.- Abrimos la imagen a retocar y trabajar si es posible a
16 bits (Imagen-Modo-16 bits/canal).
2.- Convertirla a Modo Color Lab. Ir a paleta Canales y
seleccionar el canal de luminosidad. Convertir luego a
Escala de grises.
3.- Clicamos pulsando Ctrl/Cmdo en la miniatura del canal
gris: Se selecciona la imagen.
4.- Menú Seleccionar - Invertir (Ctrl-May-I).
5.- Con la selección activa cambiamos de nuevo el Modo de
color a RGB.
6.- Siguiendo con la selección activa, creamos capa de ajuste
"Color Uniforme", seleccionando un color preferentemente
oscuro: es cuestión de probar con distintos matices.
7.- Ajustamos la opacidad de esta capa a nuestro gusto,
empezando a probar, por ejemplo, con un 50%.
8.- Añadimos Capa de Niveles o de Curvas -a elegir- probando a
variar el contraste de la imagen.
9.- Seleccionamos la capa Fondo y la duplicamos.
10.- Filtros - Convertir para Filtros inteligentes - Otro -Paso
Alto - Radio 10 (al convertir la capa en un objeto
inteligente podemos variar cuantas veces queramos el
filtro sin necesidad de eliminar o crear una nueva capa).
Cambiamos el Modo de fusión de esta capa a Luz fuerte
y probamos variando la opacidad de esta capa.
PRUEBA DE LA RESPUESTA DEL SENSOR DE LA CÁMARA FORZANDO LA
SENSIBILIDAD:
1.- Montamos la cámara sobre un trípode y nos cercioramos en los
menús de que no hemos activado ningún modo automático de
reducción de ruido (NR -noise reduction-).
2.- Trabajaremos en modo M -manual- para registrar una escena con
poca luz. Elegimos una focal más larga que la del gran
angular para limitar aún más la entrada de luz a la cámara.
3.- Colocamos la sensibilidad menor y realizamos una toma de
prueba para ver cuán subexpuesta sale.
4.- Aumentamos el tiempo de exposición y abrimos completamente el
diafragma hasta su valor más bajo -nos debemos fijar en qué
sentido desciende el valor de "f" y en cuál aumenta para
poder hacerlo sin mirar, y lo mismo con el sentido de
variación de la velocidad de exposición-. Realizamos otra
toma y valoramos el resultado en el histograma.
5.- Cuando hayamos conseguido una buena exposición, vamos
variando aumentando un paso el valor ISO teniendo en cuenta
que ahora capta el doble de luz que antes, con lo que la
velocidad la aumentaremos al doble, y así, sucesivamente.
6.- Cuando descarguemos la serie de fotos, las abrimos en
photoshop al 100% (ctrl-alt-0)fijándonos en las zonas
oscuras. cuando a simple vista, el grano o píxel sea
demasiado perceptible, ése será el umbral a partir del cual
no deberíamos trabajar con esa cámara si queremos con un buen
nivel de detalle y poco ruido.
7.- Escogeremos 3 ó 4 pasos significativos de la serie,y
copiaremos selecciones de 4 x 4 cm de una zona oscura y con
detalle de cada una de esas imágenes, anotando al lado los
valores de cada toma.
7.- Para ver el efecto de la resolución en la imagen o lo que es
lo mismo, la relación o distribución de los píxeles en el
tamaño, tomamos una imagen y clicamos Ctrl-Alt-I, con lo que
despliega el cuadro de diálogo de Tamaño de imagen. Por
defecto sale la resolución de la imagen en el tamaño óptimo
de la misma para el nº de megapíxeles que tiene el sensor y
en función de la resolución a que hemos capturado la toma. Si
la calidad elegida es la mayor -RAW (300 ppp)-, veremos cuál
es el mayor tamaño que obtendremos de imagen a la mayor
calidad con esa cámara o sensor.
Probemos a doblar las dimensiones de la imagen, desactivando
la opción de "Remuestrear la imagen", y observemos cómo no
aumentan ni los píxeles ni el peso de la imagen, lo único que
ha habido es una redistribución de los píxeles. Si queremos
aumentar o disminuir la imagen sin pérdida de calidad
deberemos hacerlo de esta manera.
JUEGOS CREATIVOS CON CANALES I: UTILIZAR UNA IMAGEN POR CANAL
- Vamos a fusionar tres imégenes convirtiéndolas en una sola, pero
no cómo un montaje tradicional, sino que cada una se va a
convertir en uno de los 3 canales de la imagen resultante:
- Lo 1º, es conseguir que las 3 pesen lo mismo: fijarnos que estén
todas a 8 bits por ejemplo, y tomar la inferior en tamaño como
recorte a aplicar en las otras dos imágenes elegidas. Fijémonos
cuando lo hagamos en que, finalmente, en el ángulo inferior
izqdo. de cada archivo, comprobamos que, efectivamente, el peso
de las 3 es exactamente el mismo (para ello, nos posicionamos en
la imagen más pequeña, seleccionamos la herramienta cortar
("C"), clicamos en la pestaña "dimensiones" de la barra de
opciones de la herramienta y vamos sucesivamente a cada una de
las otras dos imágenes y aplicamos el recorte que podamos hacer
de lado a lado en cada imagen, fijándonos en que este ya está
restringido a la proporción de la imagen que tomamos
inicialmente como recorte.
- En 2º lugar, convertimos cada una a Escala de grises y le
ajustamos a todas sus niveles (Ctrl-L), intensificando su
contraste.
- Las combinamos en modo RGB (pestaña de Canales - clic en la
pestañita superior derecha - se despliega un panel en el que
clicamos en "Combinar canales"- sleccionamos "RGB" -y ahora es
cuando le tenemos que decir qué imagen queremos para cada uno de
los 3 componentes de color.
- Habrá que adoptar un espíritu benevolente y dejarse llevar por
la sorpresa del resultado obtenido disfrutando de la misma, ya
que es muy complicado prever de antemano cuál será el
resultado.
- Sugerimos esta técnica para la obtención de fondos que, de otra
manera, sería bastante complicado de conseguir.
- En todo caso, probad a dividir nuevamente en canales y volved a
combinarlos en un orden diferente, guardando cada una de las dos
nuevas posibilidades que podremos alcanzar.
JUEGOS CREATIVOS CON CANALES II: DIVIDIR Y COMBINAR LOS CANALES
PARA B y N
1º.- Imagen - Duplicar: Copia.
2º.- Modo RGB -Canales - Clic pestaña menú desplegable: Dividir
canales: Cada canal aparece como un archivo independiente.
3º.- Clicamos en cada uno de los tres archivos de rojo, azul y verde
y vemos cuál es el mejor o el que nos gusta más, tomándolo como
base para un montaje por capas.
4º.- Con "V-shift", arrastramos cada uno de los otros dos canales al
canal con que nos quedamos y "jugamos" a aplicar distintos
modos de fusión a cada capa, analizando los efectos o
resultados obtenidos.
5º.- Puede convenir hacer alguna reserva de alguna parte de la
imagen para enmascarar y que no se produzca en tal zona el
efecto del modo de fusión, ya que, por ejemplo, se ha
oscurecido mucho. En tal caso, clic en "W" y escogemos la
herramienta de "selección rápida" y sleccionamos el elemento en
cuestión y trabajando con un diámetro bastante reducido para
optimizar la acción, recordando que con clic en alt
deseleccionamos alguna zona y con shift la añadimos. Así mismo,
podemos combinar este proceso con clic en "L" (Lazo) para
seleccionar o deseleccionar zonas más amplias.
6º.- Con la selección creada y activa, clicamos en el icono de
máscara de capa y ésta se crea con la zona seleccionada activa
y el resto en negro o desactivado. Invertimos la máscara con
Ctrl-shift-i, para no aplicar el efecto en esa zona. También
podemos jugar con las opacidades de cada una de las capas del
documento.
COMANDO "APLICAR IMAGEN", IDEAL PARA FOTOMONTAJES ENTRE 2, 3, 4, o MÁS IMÁGENES ADOPTANDO UNA ACTITUD CREATIVA Y EXPERIMENTAL:
- Realizar 6 imágenes a color de: 2 fondos con texturas interesantes
que abarquen toda la imagen, como paredes, puertas, etc.
2 de elementos vegetales; y 2 de algún retrato en
primer plano o plano detalle.
- 1º caso: Combinaremos dos documentos distintos para que uno se
convierta en sombra proyectada sobre el otro.Aquí usaremos los
fondos texturados y los elementos vegetales, cada uno como
archivos independientes.
- Muy importante, para que el efecto funcione, las imágenes deben
ser iguales en modo de color, tamaño y forma, para : Nos
posicionamos sobre uno de los archivos - Imagen -
Aplicar imagen - Ventana de edición del comando: -Las variables
que podemos combinar son: archivo de origen, capa, canal, modo de
fusión, opacidad, invertir, y además, se puede añadir una máscara,
que es la máscara de otra máscara,prácticamente con las mismas
variables que antes.
- 2º caso: Combinaremos 3 imágenes: En el archivo del rostro
incluiremos otra capa con la textura de la pared, por ejemplo, y
dejamos independiente la otra imagen del tema vegetal.
- 3º caso: Probar a combinar hasta 4 imágenes distintas.
4. COLOR LAB Y LUMINOSIDAD
- Menú Imagen - Modo "Luminosidad" (Aceptar).Ir a paleta
Canales y seleccionar el canal de luminosidad. Convertir
luego a Escala de grises (descartar información de color).
5. MÉTODOS DE AUTOR:
5.1.- Método Método para lograr la apariencia de la FOTOGRAFÍA
EN B&N CLÁSICA I:
(Tras experimentar con éste método, crear una acción para
disponer de él fácilmente)
1.- Abrimos la imagen a retocar y trabajar si es posible a
16 bits (Imagen-Modo-16 bits/canal).
2.- Convertirla a Modo Color Lab. Ir a paleta Canales y
seleccionar el canal de luminosidad. Convertir luego a
Escala de grises.
3.- Clicamos pulsando Ctrl/Cmdo en la miniatura del canal
gris: Se selecciona la imagen.
4.- Menú Seleccionar - Invertir (Ctrl-May-I).
5.- Con la selección activa cambiamos de nuevo el Modo de
color a RGB.
6.- Siguiendo con la selección activa, creamos capa de ajuste
"Color Uniforme", seleccionando un color preferentemente
oscuro: es cuestión de probar con distintos matices.
7.- Ajustamos la opacidad de esta capa a nuestro gusto,
empezando a probar, por ejemplo, con un 50%.
8.- Añadimos Capa de Niveles o de Curvas -a elegir- probando a
variar el contraste de la imagen.
9.- Seleccionamos la capa Fondo y la duplicamos.
10.- Filtros - Convertir para Filtros inteligentes - Otro -Paso
Alto - Radio 10 (al convertir la capa en un objeto
inteligente podemos variar cuantas veces queramos el
filtro sin necesidad de eliminar o crear una nueva capa).
Cambiamos el Modo de fusión de esta capa a Luz fuerte
y probamos variando la opacidad de esta capa.
5.2.- Método para lograr la apariencia de la FOTOGRAFÍA
EN B&N CLÁSICA II :
1.- Cambiamos el modo de color a Color LAB y, en la paleta
de CANALES seleccionamos el de LUMINOSIDAD. Cambiamos el
modo nuevamente pero ahora a ESCALA DE GRISES.
2.- Continuando en la paleta de CANALES, pulsamos Ctrl y
clicamos en el canal GRIS; observamos cómo se hace una
selección en la imagen. Invertimos la selección con
Ctrl-May-I.
3.- Nuevamente cambiamos el modo de color a RGB.
4.- Creamos una capa de ajuste de color uniforme o sólido
desde la paleta de capas. Probamos con color negro pero
luego deberemos experimentar con otras tintas al final del
proceso.
5.- A esa nueva capa de ajuste le cambiamos el modo de fusión
a MULTIPLICAR y podemos variar la opacidad para variar el
color a nuestro gusto.
6.- Creamos una nueva capa de curvas o niveles para
proporcionar mayor contraste a la imagen.
7.- Creamos una nueva capa (Ctrl-May-N).
8.- Pulsamos Ctrl-Alt-May-E, creándose en esa capa una copia
de todas las demás.
9.- Menú Filtros- Otros- Paso Alto; le aplicamos un radio de
50 (Hay que vigilar los halos que puede llegar a crear
este filtro).
10.- Vamos a las propiedades de capa haciendo doble clic sobre
ella. En "Opciones de fusión", vemos "Fusionar si..." y
seleccionando el canal gris hacemos lo siguiente: en el
regulador "Esta capa" partimos el primer selector (negro)
manteniendo pulsado alt, y llevamos la mitad derecha hasta
70, y la otra hasta 50. Con el otro selector (blanco) lo
partimos igual, y llevamos la mitad izquierda al valor de
185, y la derecha al de 205. Así hemos conseguido eliminar
colores o grises de la capa, es una función más
sofisticada que la de opacidad normal. Al partir en dos
los selectores se logra suavizar la transición y
recuperamos detalles de las capas subyacentes.
11.- La conversión ha concluido con cuatro capas: Las tres
primeras se pueden alterar según nuestro gusto:
- A la capa de Paso Alto le podemos modificar la opacidad
y jugar con el modo de fusión en las propiedades de
capa.
- La capa de curvas también puede variarse, o se pueden
añadir nuevas capas de curvas jugando con las curvas de
color a fin de conseguir un tono diferente.
- Podemos igualmente cambiar el tono de la capa de color
uniforme con doble clic en la miniatura de capa.
12.- Muy importante: Los pasos de estas técnicas son sólo una
guía pero dependerá de la experimentación de cada cual y
de la propia imagen el conseguir resultados
verdaderamente atractivos.
SENSIBILIDAD:
1.- Montamos la cámara sobre un trípode y nos cercioramos en los
menús de que no hemos activado ningún modo automático de
reducción de ruido (NR -noise reduction-).
2.- Trabajaremos en modo M -manual- para registrar una escena con
poca luz. Elegimos una focal más larga que la del gran
angular para limitar aún más la entrada de luz a la cámara.
3.- Colocamos la sensibilidad menor y realizamos una toma de
prueba para ver cuán subexpuesta sale.
4.- Aumentamos el tiempo de exposición y abrimos completamente el
diafragma hasta su valor más bajo -nos debemos fijar en qué
sentido desciende el valor de "f" y en cuál aumenta para
poder hacerlo sin mirar, y lo mismo con el sentido de
variación de la velocidad de exposición-. Realizamos otra
toma y valoramos el resultado en el histograma.
5.- Cuando hayamos conseguido una buena exposición, vamos
variando aumentando un paso el valor ISO teniendo en cuenta
que ahora capta el doble de luz que antes, con lo que la
velocidad la aumentaremos al doble, y así, sucesivamente.
6.- Cuando descarguemos la serie de fotos, las abrimos en
photoshop al 100% (ctrl-alt-0)fijándonos en las zonas
oscuras. cuando a simple vista, el grano o píxel sea
demasiado perceptible, ése será el umbral a partir del cual
no deberíamos trabajar con esa cámara si queremos con un buen
nivel de detalle y poco ruido.
7.- Escogeremos 3 ó 4 pasos significativos de la serie,y
copiaremos selecciones de 4 x 4 cm de una zona oscura y con
detalle de cada una de esas imágenes, anotando al lado los
valores de cada toma.
7.- Para ver el efecto de la resolución en la imagen o lo que es
lo mismo, la relación o distribución de los píxeles en el
tamaño, tomamos una imagen y clicamos Ctrl-Alt-I, con lo que
despliega el cuadro de diálogo de Tamaño de imagen. Por
defecto sale la resolución de la imagen en el tamaño óptimo
de la misma para el nº de megapíxeles que tiene el sensor y
en función de la resolución a que hemos capturado la toma. Si
la calidad elegida es la mayor -RAW (300 ppp)-, veremos cuál
es el mayor tamaño que obtendremos de imagen a la mayor
calidad con esa cámara o sensor.
Probemos a doblar las dimensiones de la imagen, desactivando
la opción de "Remuestrear la imagen", y observemos cómo no
aumentan ni los píxeles ni el peso de la imagen, lo único que
ha habido es una redistribución de los píxeles. Si queremos
aumentar o disminuir la imagen sin pérdida de calidad
deberemos hacerlo de esta manera.
JUEGOS CREATIVOS CON CANALES I: UTILIZAR UNA IMAGEN POR CANAL
- Vamos a fusionar tres imégenes convirtiéndolas en una sola, pero
no cómo un montaje tradicional, sino que cada una se va a
convertir en uno de los 3 canales de la imagen resultante:
- Lo 1º, es conseguir que las 3 pesen lo mismo: fijarnos que estén
todas a 8 bits por ejemplo, y tomar la inferior en tamaño como
recorte a aplicar en las otras dos imágenes elegidas. Fijémonos
cuando lo hagamos en que, finalmente, en el ángulo inferior
izqdo. de cada archivo, comprobamos que, efectivamente, el peso
de las 3 es exactamente el mismo (para ello, nos posicionamos en
la imagen más pequeña, seleccionamos la herramienta cortar
("C"), clicamos en la pestaña "dimensiones" de la barra de
opciones de la herramienta y vamos sucesivamente a cada una de
las otras dos imágenes y aplicamos el recorte que podamos hacer
de lado a lado en cada imagen, fijándonos en que este ya está
restringido a la proporción de la imagen que tomamos
inicialmente como recorte.
- En 2º lugar, convertimos cada una a Escala de grises y le
ajustamos a todas sus niveles (Ctrl-L), intensificando su
contraste.
- Las combinamos en modo RGB (pestaña de Canales - clic en la
pestañita superior derecha - se despliega un panel en el que
clicamos en "Combinar canales"- sleccionamos "RGB" -y ahora es
cuando le tenemos que decir qué imagen queremos para cada uno de
los 3 componentes de color.
- Habrá que adoptar un espíritu benevolente y dejarse llevar por
la sorpresa del resultado obtenido disfrutando de la misma, ya
que es muy complicado prever de antemano cuál será el
resultado.
- Sugerimos esta técnica para la obtención de fondos que, de otra
manera, sería bastante complicado de conseguir.
- En todo caso, probad a dividir nuevamente en canales y volved a
combinarlos en un orden diferente, guardando cada una de las dos
nuevas posibilidades que podremos alcanzar.
JUEGOS CREATIVOS CON CANALES II: DIVIDIR Y COMBINAR LOS CANALES
PARA B y N
1º.- Imagen - Duplicar: Copia.
2º.- Modo RGB -Canales - Clic pestaña menú desplegable: Dividir
canales: Cada canal aparece como un archivo independiente.
3º.- Clicamos en cada uno de los tres archivos de rojo, azul y verde
y vemos cuál es el mejor o el que nos gusta más, tomándolo como
base para un montaje por capas.
4º.- Con "V-shift", arrastramos cada uno de los otros dos canales al
canal con que nos quedamos y "jugamos" a aplicar distintos
modos de fusión a cada capa, analizando los efectos o
resultados obtenidos.
5º.- Puede convenir hacer alguna reserva de alguna parte de la
imagen para enmascarar y que no se produzca en tal zona el
efecto del modo de fusión, ya que, por ejemplo, se ha
oscurecido mucho. En tal caso, clic en "W" y escogemos la
herramienta de "selección rápida" y sleccionamos el elemento en
cuestión y trabajando con un diámetro bastante reducido para
optimizar la acción, recordando que con clic en alt
deseleccionamos alguna zona y con shift la añadimos. Así mismo,
podemos combinar este proceso con clic en "L" (Lazo) para
seleccionar o deseleccionar zonas más amplias.
6º.- Con la selección creada y activa, clicamos en el icono de
máscara de capa y ésta se crea con la zona seleccionada activa
y el resto en negro o desactivado. Invertimos la máscara con
Ctrl-shift-i, para no aplicar el efecto en esa zona. También
podemos jugar con las opacidades de cada una de las capas del
documento.
COMANDO "APLICAR IMAGEN", IDEAL PARA FOTOMONTAJES ENTRE 2, 3, 4, o MÁS IMÁGENES ADOPTANDO UNA ACTITUD CREATIVA Y EXPERIMENTAL:
- Realizar 6 imágenes a color de: 2 fondos con texturas interesantes
que abarquen toda la imagen, como paredes, puertas, etc.
2 de elementos vegetales; y 2 de algún retrato en
primer plano o plano detalle.
- 1º caso: Combinaremos dos documentos distintos para que uno se
convierta en sombra proyectada sobre el otro.Aquí usaremos los
fondos texturados y los elementos vegetales, cada uno como
archivos independientes.
- Muy importante, para que el efecto funcione, las imágenes deben
ser iguales en modo de color, tamaño y forma, para : Nos
posicionamos sobre uno de los archivos - Imagen -
Aplicar imagen - Ventana de edición del comando: -Las variables
que podemos combinar son: archivo de origen, capa, canal, modo de
fusión, opacidad, invertir, y además, se puede añadir una máscara,
que es la máscara de otra máscara,prácticamente con las mismas
variables que antes.
- 2º caso: Combinaremos 3 imágenes: En el archivo del rostro
incluiremos otra capa con la textura de la pared, por ejemplo, y
dejamos independiente la otra imagen del tema vegetal.
- 3º caso: Probar a combinar hasta 4 imágenes distintas.
DIVIDIR Y COMBINAR LOS CANALES
- Vamos a experimentar variando la posición de los canales para alterar el resultado cromático de la imagen:
orden de los canales – Imagen – Modo – RGB. (La información
de las zonas blancas y oscuras no varían porque en ellas hay
información de todos los canales, sólo varían los tonos
intermedios).
2.- Clic F12 (volvemos a la información guardada): Imagen –
Duplicar (si no lo hacemos no podremos volver al original
tras efectuar lo que haremos a continuación).
- Menú desplegable paleta Canales – Dividir canales – Si
estamos en RGB monta tres documentos independientes en
Escala de grises, uno por cada canal – Menú desplegable
paleta Canales – Combinar canales: Podemos elegir el modo
sólo para aquéllos basados en 3 canales (no disponemos de
la opción CMYK, puesto que sólo tenemos 3 canales –Una vez
seleccionado el modo, podemos alterar el orden de los
canales – Ok.
3.-Hacer lo mismo experimentando en Modo CMYK.
VARIACIONES INDEPENDIENTES
A LOS CANALES
1.- Seleccionar imagen polícroma (con
riqueza de tonos). Modo CMYK. Modo 8 bits.
2.- Pestaña canales. Menú desplegable
(Clic pestaña superior derecha) – Dividir canales.
3.-En cada canal: Modo Mapa de bits –
Método: Usar: Trama de Semitonos – Elegir: Lineatura, Ángulo y Forma, y variar
estos valores para cada canal- Modo: Escala de grises.
4.- Pestaña canales – Menú
desplegable– Combinar canales – Elegimos Modo –Ahora podemos variar el orden de
los canales para jugar aún más a variar el resultado.
-->
CREACIÓN Y APLICACIÓN DE MOTIVOS PERSONALIZADOS EN CAPAS DE
MOTIVO
1.- Seleccionar imagen en ByN o
sepia (Funciona muy bien con motivos arquitectónicos) de una columa jónica o
corintia de buena resolución. Seleccionamos con “w” todo lo que es la piedra y
con Ctrl-J la pasamos a una nueva capa.
2.- Buscamos un nuevo fondo para
nuestra elemento arquitectónico, lo copiamos
y lo pegamos como una nueva
capa por debajo de la anterior, y ya tenemos un nuevo fondo. Podemos jugar
entre las dos capas inferiores variando los modos de fusión.
3.- Ctrl-N – Predefinir – Web – Escoger menor tamaño.
4.- Trabajaremos sobre una capa, por lo que debemos crearla con la opción
color:
Ninguno.
5.- Herramienta pincel – Menú opciones pincel – pestañita – añadir
pinceles –
experimentar
con distintos tamaños, formas y pinceladas; así mismo,
en
Ventana, seleccionar paleta de Color y añadirla al panel de paletas, para,
cómodamente, con un clic, variar el color
seleccionado.
6.- Experimentar mientras pintamos con distintos pinceles y tonos,
también con
distintos modos
de fusión, en particular con el modo detrás -que nos permite trabajar
por detrás de las manchas que ya tenemos hechas sin necesidad de crear nuevas
capas-, y los del grupo IV de contraste, en particular el de superponer.
7.- Una vez terminemos nuestra nueva textura –sólo es preciso cubrir
una zona
alrededor
del centro-, escondemos la capa Fondo.
8.- Herramienta “Marco
rectangular” y con ella seleccionamos todo nuestro motivo creado. Edición
–Definir motivo – asignar nombre y guardarlo.
9.- Aplicar el motivo creado a
nuestra imagen: Clic en la pestaña del documento de nuestra imagen -Clic icono
de ajustes en el panel de capas – Motivo (se crea la capa)–Doble clic en icono
de motivo –Escalar para agrandar el motivo –Acercamos el ratón a la zona de
unión entre las dos capas y pulsando Alt, vemos como cambia el icono para hacer
un CLIPING o recorte entre las dos capas; con ello vemos como el motivo se
recorta mostrándose sólo sobre el motivo.
10.- Clic en la capa del elemento arquitectónico y ponemos el modo de
fusión en
luminosidad para ver como la imagen pierde el color; luego lo
podemos volver
a colocar en Normal – Clic en capa del motivo y variamos el modo de
fusión deç
esta capa colocándolo en Superponer, etc., con lo que vamos
probando los diferentes efectos.
11.- Podemos volver a variar la escala del motivo para ver en qué parte
luce mejor y mejor la textura creada por nuestro motivo personalizado, así como
la Opacidad de la capa de motivo.
12.- Otra manera de trabajar la textura es –y en este punto,
eliminaríamos la capa de motivo antes creada dejando sólo las otras tres-,
haciendo doble clic en la
capa del elemento
arquitectónico recortado y abriendo el panel de Estilos de capa o bien, clic en
el icono inferior en el panel de capa, representado por “fx” y seleccionar en
el panel que se despliega, la opción de superposición de motivo, lo que,
directamente, ya sitúa sobre el elemento arquitectónico una textura, y luego ya la cambiamos por
la del motivo que creamos.
TRABAJO CON MÁSCARAS VECTORIALES, DE CAPA Y DE RECORTE.
1.- Buscamos imagen de internet
de elemento arquitectónico, por ej., un capitel (otra vez), con su columna y
demás.
2.- Creación de un trazado
vectorial para convertirlo en máscara vectorial:
Ventana – Trazados: se abre
el panel de trazados. – Pulsamos “P” y seleccionamos la herramienta Pluma.
Vamos haciendo clic alrededor de la figura con pocos clics o puntos, es decir,
cuantos menos puntos, mejor. No se trata de llenar todo el contorno con puntos.
Si hacemos clic sin más, la
línea del trazado vectorial será recta, para convertirla en curva y que se
adapte mejor a la forma.
Al hacer clic para marcar
un punto de anclaje, si mantengo pulsado el ratón y lo muevo ligeramente,
aparecen las aletas o tiradores de control del trazado, si me he olvidado de
hacerlo, puedo abrirlas pasando el cursor por encima del punto con Alt pulsado
(aparece un icono en forma de cuña), hacemos clic y arrastramos ligeramente.
Los tiradores se pueden alargar o recortar y girar en
Todas direcciones para
modificar el trazado o la curva.
Para mover un punto de
anclaje que ya hemos hecho pero queremos recolocarlo, podemos pulsar Ctrl y
haciendo clic en el punto, aparecen sus tiradores, y tanto éstos, como el
punto, pueden ser modificados.
Con la tecla A, vemos cómo
el cursor cambia a una flecha blanca con la que
podremos seleccionar cada punto o tirador y modificarlos, como todo
el
conjunto de puntos, para
mover entero el trazado que llevamos hecho.
Con Shift-P, la herramienta
pluma cambia a su forma libre, con la que podemos
Emplear el ratón como un
lápiz y hacer el trazado mucho más rápido; luego,
Si queremos modificarlo,
con Ctrl pulsado, hacemos clic sobre la línea de trazado y vemos cómo se
muestran lo puntos de anclaje.
PROYECTO "PORTADA HOMENAJE A EDWARD STEICHEN"
- Una vez que tenemos hecho el trazado, con éste seleccionado, hacemos Ctrl-clic en el icono de máscara y se creará en primer lugar esta clase de máscara-que no es más que la conversión a máscara del trazado que hicimos y que recorta la imagen, con la característica de que la podemos modificar en cualquier momento: Para ello, con la herramienta selección directa (flecha blanca -A-) y la máscara vectorial seleccionada o activa, hacemos clic en la imagen y luego en el trazado, y podemos entonces tirar de los puntos del trazado para modificarlo y que por ejemplo, se vea más de la imagen en una determinada zona (también se puede hacer con la herramienta pluma seleccionada y con Ctrl pulsado).
- Si queremos ocultar el contorno de línea del trazado, sólo tenemos que pulsar Ctrl-H.
- Si no teníamos un fondo, le colocamos uno de color con Alt-delete, que tomará por tal el tono que tengamos seleccionado como frontal. Si lo queremos pasar realmente a Fondo, vamos a Capa – Nueva – Fondo a partir de capa.
- La máscara vectorial es editable: en la ventana de máscara –o en la versión CS6 en la ventana de Propiedades- vemos cómo tenemos dos parámetros con los que jugar: Densidad y Desvanecer. El primero modifica la opacidad del enmascaramiento, y el segundo el grado de difusión de los píxeles en el borde del recorte que hace la máscara.
- Ahora podemos agregar en la misma capa en la que hemos trabajado, una Máscara de Capa, que es un lugar en donde podremos pintar con blanco, negro o grises, para ocultar parte de una capa –igual que la vectorial sólo que cambia la manera en que lo hace-; Así que haremos clic en el icono de máscara nuevamente y, como ya hay una máscara vectorial, ahora sólo podrá añadirse una De Capa, que aparecerá en blanco o con una máscara de alguna forma si hemos creado una selección –por ejemplo, con Ctrl-clic en el trazado veremos como se activa la línea discontinua de selección, y, si luego hacemos clic en el icono de máscara, la miniatura de ésta se verá con la selección en blanco y todo el resto en negro-.
- Ahora podemos agregarle un degradado a esta máscara de capa, por ejemplo el que va de Frente a Transparente y veremos cómo se modifica –lógicamente- el modo en que enmascara esta capa, creando un suave fundido que integra la forma con el fondo. Si hacemos Alt-clic en la máscara de capa, visualizaremos individualmente la máscara en pantalla, y podremos entonces aplicarle diversas acciones, como filtros por ejemplo: Filtro – Galería de Filtros – Aparece la forma recortada – Le aplicamos por ejemplo, Trazos Pastel variando los parámetros de ajuste del filtro – Ok.
- Regresamos a la imagen para ver cómo ha quedado el efecto. Ahora podemos seleccionar un pincel con negro –que va a ocultar en la máscara de capa- y una punta no muy convencional, por ejemplo de puntitos o como una esponja, de tamaño mediano o grande, vamos pasándolo por el contorno de la imagen.
- Con Shift-clic en las máscaras, y éstas se anulan o desactivan, lo que es útil para saber cómo era la imagen y cómo es ahora.
- Debemos explorar así mismo, la opción de Gama de colores, que se halla en el menú Selección: Con cualquiera de las dos máscaras seleccionadas–lo haríamos en las dos, de hecho-, abrimos el editor de Gama de Colores – Activamos Grupo de color localizados – y probamos a variar los valores de Tolerancia y Rango: Hacemos un primer clic en la imagen con el cuentagotas de la izquierda y los sucesivos, los haremos con el cuentagotas que tiene un signo de más, o bien pulsamos Shift; así vemos cómo la selección se expande. Con esta interesante herramienta, crearemos unos efectos muy difíciles de lograr por otros medios.
- Hacemos doble clic en la capa – Se abre el editor de Estilos de capa – y seleccionamos Resplandor interior, que le dará más contraste y brillo a nuestra imagen.
- También podemos invertir la Máscara de Capa, como ya sabemos con Ctrl-I, y ver el efecto que se produce.
- Ahora deberemos incorporar otra imagen al fotomontaje, por ejemplo, la textura de una planta quedaría bastante bien: la copiamos en nuestro documento, hacemos una selección oval de la misma y desvanecemos los bordes en el panel de máscaras. Si debemos ampliarla, podríamos: Clic botón derecho en la capa donde hemos pegado la nueva imagen – Convertir en objeto inteligente – Ctrl-T – y escalar hasta donde queramos.
- Con esa capa haremos ahora una Máscara de Recorte: Deberemos situarla encima de la capa que recibirá a esa imagen, pulsar Alt, situarnos entre medio de las dos capas y hacer clic, cuando veamos que cambia el simbolito del cursor a uno de intersección o de enlace. Luego podríamos también variar no sólo la densidad y el desvanecimiento de la máscara de capa, sino la opacidad y, sobre todo, el modo de fusión.
- Finalmente, crearíamos un texto alrededor del elemento principal, tomando como guía la línea de la máscara vectorial: Una vez que veamos esa línea de contorno, con la herramienta de texto seleccionada, nos acercamos con el cursor a la línea y veremos cómo cambia el símbolo para adaptarse el texto al trazado. Una vez lo tengamos hecho, abrimos la ventana de Carácter, y ahí podemos ajustar los valores de Desplazamiento de Baseline, que aleja o acerca el texto a la línea, y también el de Tracking, que acerca o aleja entre sí a los caracteres del texto escrito.
8.- Aparte de lo anterior, realizamos la siguiente variante: Copiamos el trazado que hemos dibujado en la anterior imagen y lo pegamos en el panel de trazados de otra imagen distinta con otra textura por completo diferente. En panel de capa - y repetir el procedimiento, es decir, seleccionar Máscara vectorial a partir de trazado actual para recortar la forma con una nueva textura. Haciendo doble cli en la capa, se abre la ventana de Esrilos de capa, donde podremos añadir interesantes efectos, como por ejemplo, sombras paralelas, contornos, etc.
MAPA DE
DESPLAZAMIENTO
- · Imagen a 8 bits– Duplicar Imagen – Convertir a escala de grises – (Para suavizar un poco la imagen) Filtro, Desenfoque Gaussiano (dependerá de la calidad de la imagen), le damos un valor tal que desenfoque pero sin perder la forma de los pliegues, caso de que por ejemplo se tratase de telas – Guardar como: “nombre_desplazamiento.psd”.
- · Imagen original – Herramienta texto: picamos el texto, lo seleccionamos y ajustamos tamaño, tipo y cualquier otro rasgo del carácter, y con la herramienta “V”, lo movemos allí donde queramos.
- · Ahora aplicaremos el mapa de desplazamiento, pero, para que no sólo lo podamos aplicar una vez, sino cuantas veces deseemos por si hay que modificar algo, convertiremos el texto en un OBJETO INTELIGENTE: Capa – Objetos inteligentes – Convertir en objeto inteligente – Filtro – Distorsionar – Desplazar – Asignar valores para Escalas vertical y horizontal (10 y 10 por ejemplo) – Aceptar – Elegir mapa de desplazamiento (elegimos el que creamos anteriormente.
- · Si queremos resituar el texto, lo movemos y le aplicamos de nuevo el desplazamiento, haciendo clic en el término Desplazar que está debajo de la miniatura de la capa Texto – Se abre el cuadro de Desplazar y podemos incluso elegir otros valores.
- · También podemos modificar el color deL TEXTO, haciendo doble clic en la miniatura de la capa inteligente texto – OK – Se abre un nuevo documento aparte del texto – cambiamos el color – cerramos este documento guardando los cambios y éstos se aplican en la imagen.
- · Podemos modificar la opacidad de la capa y, sobre todo: Doble clic en la capa texto – Se abre cuadro de diálogo de Estilo de capa donde podremos trabajar las Opciones de fusión, concretamente en el sector de “Fusionar si es:”, y movemos las dobles pestañas sobre todo de la Capa subyacente, pero para hacerlo de una manera suave, nos situaremos sobre cada una de ellas y haremos clic con la tecla Alt pulsada, movemos el ratón y vemos cómo se desdoblan. A partir de aquí es “jugar” para lograr el mejor efecto.
- · Con Ctrl-T en la capa texto podemos girar el texto para adecuarlo mejor a la imagen y, haciendo clic nuevamente en “Desplazar”, reajustaremos el mapa de desplazamiento al giro que hemos hecho.
- · Si queremos modificar el nombre o texto, doble clic otra vez en la miniatura de la capa inteligente – Ok – Nuevo documento sólo con el texto – lo variamos y si, se saliese del espacio anterior, iríamos a Imagen – Tamaño de lienzo, y aumentaríamos el valor de la anchura o de la altura si lo necesitáramos.
PROYECTO PORTADA CD
Para este proyecto debemos diseñar una carátula doble (díptico), con medidas de 12,5 x 25 cm.
Debemos aplicar las siguientes técnicas y consejos:
- Función APLICAR IMAGEN con 2 ó 3 imágenes.
- Mapa de desplazamiento.
- Diseño texto conceptual.
- Inspirarnos en la obra del multi-instrumentista islandés Olafur Arnalds, de cuyo magnífico trabajo les dejo un aperitivo aquí debajo.
MIRADAS DE MUJER
Realizar carteles con información esencial textual y gráfica
de cada una de estas
artistas-fotógrafas.
JULIA MARGARET CAMERON
GERTRUDE KASEBIER
DORIS ULMANN (1882-1934)
IMOGEN CUNNINGHAN (1883-1976)
MARGARET BOURKE-WHITE
(1904-1971)
GERMAINE KRULL (1897-1985)
LISETTE MODEL (1901-1983)
HELEN LEVITT
DOROTHEA LANGE
HANNAH HÖCH (1889-1978)
LEE MILLER (1907-1977)
TINA MODOTTI
BERENICE ABOTT
DORA MAAR
CINDY SHERMAN
MIYAKO ISIUCHI
MICHIKO KON
ANNE LIEBOVITZ
HELENA ALMEIDA
OUKA LELE
OLIVIA ARTHUR
INTERVENCIONES TEXTUALES
El objetivo es desarrollar la imaginación, la inventiva y, un cierto punto de vista satírico acerca de la sociedad muchas veces absurda, encorsetada y tremendamente banal, que, por desgracia, nos rodea y asfixia.
Visita la interesantísima web del artista visual David Shrigley para posibles concomitancias y musas plagiadas.
Te pido al menos dos intervenciones gráfico-textuales en ese caos que es el entorno circundante.
RETRATO: 1. ESTILO CÓMIC
·
Seleccionamos a nuestra “víctima” en un encuadre
de primer plano.
·
Abrimos el documento en photoshop y nos
cercioramos que tenga una resolución como de
imprenta, esto es, de 300 pp.
imprenta, esto es, de 300 pp.
·
Creamos una nueva capa transparente y con un
pincel de contorno definido, circular, y diámetro 8,
repasamos todos los rasgos del sujeto, cuidando hacerlo lo mejor posible, sin dejar tramos
incompletos; esta operación deberíamos hacerla en una tableta gráfica con un lápiz digital, pero, a
falta de ella, lo intentaremos con el sencillo e impreciso ratón.
repasamos todos los rasgos del sujeto, cuidando hacerlo lo mejor posible, sin dejar tramos
incompletos; esta operación deberíamos hacerla en una tableta gráfica con un lápiz digital, pero, a
falta de ella, lo intentaremos con el sencillo e impreciso ratón.
·
Queda mucho mejor la línea de nuestro contorno
si la vectorizamos, para lo que pulsando Ctrl y
haciendo clic en la miniatura de la capa, seleccionaremos todo el dibujo y, en el panel de trazados,
hacemos clic en el 4º icono del menú horizontal inferior, con lo que se convierte en un traszado.
haciendo clic en la miniatura de la capa, seleccionaremos todo el dibujo y, en el panel de trazados,
hacemos clic en el 4º icono del menú horizontal inferior, con lo que se convierte en un traszado.
·
Quitamos la visualización de la capa donde
hicimos el trazado con el pincel y creamos una nueva
capa para el trazado vectorial. Pulsamos Ctrl y hacemos clic en la miniatura del trazado, vemos
como éste se convierte en una selección. Con la capa seleccionada, cogemos la herramienta
depósito de pintura, color frontal negro y clicamos dentro de la selección, que se teñirá de negro.
capa para el trazado vectorial. Pulsamos Ctrl y hacemos clic en la miniatura del trazado, vemos
como éste se convierte en una selección. Con la capa seleccionada, cogemos la herramienta
depósito de pintura, color frontal negro y clicamos dentro de la selección, que se teñirá de negro.
·
Guardamos el documento como Retrato_comic.
·
Creamos una capa, la rellenamos de color blanco,
y le ponemos el modo superponer, con lo que se
verá el trazado negro.
verá el trazado negro.
·
En la capa del trazado, con la herramienta
varita mágica hacemos clic por fuera de nuestro retrato
para seleccionar todo el área del fondo.
para seleccionar todo el área del fondo.
·
Seleccionamos la capa nueva y clicamos en la
tecla delete, viendo cómo se recorta todo el área.
Unificamos las dos capas en una sola, bien seleccionando ambas capa y pulsando Ctrl-alt-
Mayús-E, bien pulsando botón dcho. en la capa blanca y seleccionando “combinar hacia abajo”.
Esta nueva capa la llamamos “BOCETO”.
Unificamos las dos capas en una sola, bien seleccionando ambas capa y pulsando Ctrl-alt-
Mayús-E, bien pulsando botón dcho. en la capa blanca y seleccionando “combinar hacia abajo”.
Esta nueva capa la llamamos “BOCETO”.
·
Creamos una carpeta en el panel capas y la
llamamos COLOR PIEL. Dentro, arrastramos la capa
BOCETO, que irá en la parte superior con el modo Multiplicar, y debajo, creamos tres capas que
llamaremos en orden ascendente, COLOR, SOMBRAS, LUCES.
BOCETO, que irá en la parte superior con el modo Multiplicar, y debajo, creamos tres capas que
llamaremos en orden ascendente, COLOR, SOMBRAS, LUCES.
·
Empezamos por darle color a la piel del rostro:
Nos posicionamos en la capa COLOR, clic en
selector de color y escogemos como color frontal un tono que nos parezca apropiado.
Seleccionamos herramienta lazo magnético, vamos clicando alrededor de todo el área que contenga
piel hasta cerrar la selección; Herramienta bote de pintura y clic dentro de la selección para pintar
la misma. Vamos a la capa boceto, herramienta varita mágica y clic en el área exterior a la
selección anterior, y pulsando mayúscula, vamos sumando todas las áreas en las que no queramos
el color piel, vamos otra vez a la capa COLOR, y hacemos clic en Delete, y vemos como se recorta
sólo el área del rostro donde queríamos que quedase el color. Si queremos aplicar algún otro color
a un área específica del rostro, como pudieran ser los labios, iris, u otra zona que se nos ocurra,
creamos una capa, cogemos lazo magnético, hacemos la selección del área en cuestión, elegimos el
tono, bote de pintura y rellenamos, y luego, bien combinamos hacia abajo (a la capa color), bien lo
dejamos en otra capa que nombraríamos como fuera oportuno para si quisiéramos más adelante
modificar el color.
selector de color y escogemos como color frontal un tono que nos parezca apropiado.
Seleccionamos herramienta lazo magnético, vamos clicando alrededor de todo el área que contenga
piel hasta cerrar la selección; Herramienta bote de pintura y clic dentro de la selección para pintar
la misma. Vamos a la capa boceto, herramienta varita mágica y clic en el área exterior a la
selección anterior, y pulsando mayúscula, vamos sumando todas las áreas en las que no queramos
el color piel, vamos otra vez a la capa COLOR, y hacemos clic en Delete, y vemos como se recorta
sólo el área del rostro donde queríamos que quedase el color. Si queremos aplicar algún otro color
a un área específica del rostro, como pudieran ser los labios, iris, u otra zona que se nos ocurra,
creamos una capa, cogemos lazo magnético, hacemos la selección del área en cuestión, elegimos el
tono, bote de pintura y rellenamos, y luego, bien combinamos hacia abajo (a la capa color), bien lo
dejamos en otra capa que nombraríamos como fuera oportuno para si quisiéramos más adelante
modificar el color.
·
Aplicamos las sombras: A la Capa sombras le
ponemos el modo Multiplicar; encima creamos una
nueva capa, lazo poligonal, y hacemos una selección del área dentro del rostro que queremos
sombrear –podemos sacar por fuera de la cara la selección porque luego la recortaremos-, color
negro, bote de pintura y rellenamos de ese color. Volvemos a lazo poligonal y hacemos una
selección que sobrepase al área coloreada de negro – Filtro – Desenfoque gaussiano – Valor de 10
aprox. – Capa boceto – varita mágica – clic en el área que queremos quitarle a la sombra – capa de
la sombra – Delete – Podemos jugar con la opacidad para bajar los valores de la sombra – Le
añadimos una máscara y con la herramienta Degradado (lineal), hacemos un degradado en la
máscara para suavizar y perfeccionar aún más el efecto - Cuando estemos satisfechos con el
aspecto – Combinar hacia abajo.
Para las luces y brillos, procederíamos de la misma
forma.
nueva capa, lazo poligonal, y hacemos una selección del área dentro del rostro que queremos
sombrear –podemos sacar por fuera de la cara la selección porque luego la recortaremos-, color
negro, bote de pintura y rellenamos de ese color. Volvemos a lazo poligonal y hacemos una
selección que sobrepase al área coloreada de negro – Filtro – Desenfoque gaussiano – Valor de 10
aprox. – Capa boceto – varita mágica – clic en el área que queremos quitarle a la sombra – capa de
la sombra – Delete – Podemos jugar con la opacidad para bajar los valores de la sombra – Le
añadimos una máscara y con la herramienta Degradado (lineal), hacemos un degradado en la
máscara para suavizar y perfeccionar aún más el efecto - Cuando estemos satisfechos con el
aspecto – Combinar hacia abajo.
RETRATO ESTILO "ANDY WARHOL"
- Seleccionar retrato y cerciorarnos de que está en modo 8 bits.
- Podemos hacer un ajuste inicial de niveles que enfaticen más los tonos y contrastes
- Filtro - Artístico - Cuarteado - Nos fijamos en el parámetro de Niveles: Cuánto mayor sea más parecida a la realidad quedará el efecto, lo que no nos interesa, sino más bien, un efecto de síntesis que muestre lo ESENCIAL del retratado. A mí me funcionan niveles de 3 ó 4. Hay que probar y escoger aquél que más nos guste o que capte lo esencial sin quedarse muy corto o complicar la imagen por exceso.
- Con la varita mágica vamos seleccionando todas las zonas del retrato con idéntico color, o bien, también hacemos nosotros -por nuestra cuenta- ese trabajode igualación tonal para simplificar lo más posible la imagen. Una vez seleccionadas las áreas de igual tono, vamos al panel CANALES, y en la pestaña superior derecha de la esquina, hacemos clic, y seleccionamos la opción "Nuevo canal de tinta plana", con lo que le podremos asignar un tono enteramente plano a ese área concreta, que se guardará como un canal aparte en modo de selección. En cualquier momento podremos cambiar el tono, haciendo dobe clic la miniatura del canal, con lo que se despliega la ventanita de opciones con el cuadradito de color, que podremos reseleccionar clicando en él -pues se despliega así mismo el editor de color-. Para ver el estado original de color en modo cuarteado, deberemos luego hacer clic en el canal superior de RGB o CMYK, y así vamos haciendo lo mismo con el resto de áreas y tonos que queramos.
- Para guardar el resultado con el efecto de canales, hay que seleccionar en el menú desplegable de la esquina superior derecha, la opción Combinar canal de tinta plana, con lo que nos preguntará si queremos acoplar las capas, a lo que responderemos afirmativamente.
- Guardamos el documento, lo duplicamos en Imagen- Duplicar imagen y procedemos a experimentar con la combinación de colores por medio del juego con los canales y la composición que con ellos hagamos: Canales - Clic en pestañita superior derecha - Dividir canales - Combinar canales - Escogemos un modo que puede ser preferentemente el mismo CMYK o bien RGB -con lo que nos desprendemos de un canal que no debiera ser el negro-, y jugamos con la asignación de archivos para cada uno de los canales de que disponemos. Le damos a Aceptar y vemos cuál es el resultado.
RETRATO ESTILO "ROY LICHSTENSTEIN".
- Una vez tengamos el retrato al estilo cómic, duplicamos 2 veces la imagen.
- Con una de las imágenes copia, vamos a canales y dividimos los canales. Probamos a seleccionar alguno de los canales-archivo en que se ha dividido -aquél en que se aprecie mejor la imagen- para pasarlo en Modo, a Mapa de bits. Se despliega un pequeña ventana en la que dejaremos la resolución que propone por defecto y, en Método, "Usar...Trama de semitonos"; en la siguiente ventana, probamos con un valor de Lineatura de entre 5 y 8 aprox., y una angulación cualquiera. Si el resultado nos gusta, Ctrl-A, Ctrl-C, y nos vamos a la otra Imagen_copia, creamos una nueva capa, y en ella pegamos con Ctrl_v la información del canal que traíamos; cambiamos el modo a Superponer y vemos cómo transforma la imagen de base añadiéndole la textura de trama de puntos. Para conferirle un aspecto áun más de viñeta, le añadimos un trazado que simule un bocadillo con un texto expresivo.
ORLA FOTOGRAFÍA
RETOQUE DE RETRATO
1.- CORRECCIONES DE COLOR
2.- SUAVIZADO DE PIEL
3.- REALCE DE PIELES CON TEXTURA
OTROS RETOQUES DE RETRATOS
1.- CAMBIO DE VESTIMENTA
CAPTURA CON WEB CONCURSO DKV
LOGO EN PHOTOSHOP DE CONMEMORACIÓN DEL DÍA DE CANARIAS
FOTOMONTAJE "DÍA DE CANARIAS"
1.- Duplicamos capa fondo 2 veces. Sobre la capa fondo nunca
trabajaremos.
2.- Desactivamos capa fondo copia 2.
3.- Seleccionamos capa fondo copia, Curvas y aclaramos la imagen y
variamos el balance de negros hacia la derecha.
4.- Activamos capa fondo copia 2. Curvas, oscurecemos y llevamos el
balance de blancos hacia la izqda.
5.- Seleccionamos capa fondo copia. Ctrl-A, Ctrl-C, Máscara de capa
en capa Fondo copia 2, sleccionamos ésta pulsando Alt para
aislarla en blanco y con Ctrl-V, pegamos la foto que antes
copiamos.
6.- Seleccionamos capa Fondo copia para quitar la selección que
teníamos en la máscara de capa. Hacemos clic en dicha
máscara anterior, Ctrl-D, y aplicamos un desenfoque gaussiano: A
mayor desenfoque, un efecto + real y viceversa.
7.- Trabajamos las iluminaciones creando capa de ajuste sobre capa
Fondo copia: seleccionamos esta capa, capa de ajuste Curvas, y
creamos una gráfica de contraste relativamente suave.
8.- Hacemos lo mismo que en el paso 7 pero sobre la Fondo copia 2.
Desactivando todas las capas menos el fondo, apreciamos cómo la
imagen ha ganado en contraste y fuerza.
9.- Teniendo seleccionada la última capa de curvas hecha, añadimos
una de Niveles y cerramos ligeramente el histograma por ambos
extremos.
10. Por último, trabajamos en la máscara de capa de la capa Fondo
copia 2, seleccionando dicha máscara, un pincel negro degradado
y jugando con su opacidad: A mayor opacidad, iluminamos + y
viceversa.
PROBEMOS AHORA A REENCUADRAR LAS IMÁGENES CREANDO PANORÁMICAS
1.- Seleccionar imagen panorámica de ciudad (Ej. New York, Chicago.)
2.- Herramienta marco rectangular (m), podemos moverla simplemente
arrastrando; Ctrl-J (creamos una capa con la slección).
3.- Creamos una capa de Color Uniforme: seleccionamos un color un
tanto crudo (no precisamente blanco).
4.- Sobre la capa de la selección, clicamos 2 veces, se abre la
ventana de "Estilo de capa", y seleccionamos trazo y sombra
paralela, haciendo primero doble clic en esta última: modificamos
los valores de distancia y tamaño, viendo el resultado en la
imagen. Seleccionamos luego "Trazo", y le podemos dar un valor,
por ej., de 5 o más píxeles, que contornearán la selección
rectangular con un fino trazo; podemos variar el color del trazo.
5.- Clicando en la herramienta "mover" (V), movemos laimagen un poco
hacia arriba para mejorar la composición de la imagen panorámica.
6.- Ahora buscamos otra imagen para aplicar una slección elíptica:
May-m. La realizamos sobre la imagen, ajustando su tamaño
moviendo simplemente el ratón (con mayúscula es circular,
y pulsando en la barra espaciadora sin soltar las teclas
anteriores, podemos ajustar su posición). "Ctrl-May-I" para
invertir la selección. Creamos una capa de curvas y oscurecemos
toda esa zona de la selección. Convertimos para filtros
inteligentes y aplicamos un desenfoque gaussiano para dar más
importancia al foco de la imagen.
Otras alternativas,
-->
RETRATO-TRIBUTO A ANDY WARHOL
Pasos:
1.- Captura de imagen: Retrato en primer
plano, de ¾, preferentemente
iluminación oblicua descendente
con flash, o también, luz natural lateral; se aconseja trípode y disparador
remoto.
2.- Importar imagen a photoshop.
3.- Corrección básica de color:
- Gris
neutro de la imagen:
- Capa nueva.
- Edición – Rellenar con 50% gris; Modo
de fusión: Diferencia.
- Capa de ajuste: Umbral: en ventana
de umbral, llevar el detensor
completamente a la izquierda e irlo después
arrastrando lentamente a la
dcha. hasta que aparezcan los primeros puntos
negros sólidos; hacer zoom
pulsando “Z” y clicando hasta acercar bien la
zona; pulsar “i” (cuentagotas),
colocar en el “Tam. de muestra”
(pestaña arriba en el menú de opciones de la
herramienta), “promedio de 3x3”, y
pulsando mayúscula, hacer clic para
crear una marca con el nº 1 (las marcas pueden
borrarse clicando “alt-
mayúscula” –se ve una tijera en el
cursor- y haciendo clic sobre la marca);
clicamos “Ctrl-0”, y eliminamos las
dos capas
creadas.
- Creamos una capa de ajustes de
Curvas, seleccionamos el cuentagotas gris,
hacemos zoom, y clicamos exactamente
en el centro de la marca que
teníamos. Así hemos obtenido una
iluminación neutra, lo que no significa que
tenga que ser más de nuestro agrado.
Importante: En la corrección de color
es más seguro hacerla con el punto
gris ya que TODAS las imágenes tienen
un gris medio.
-
Hallar Punto Blanco: No todas las imágenes tienen punto blanco.
- Clicamos “Ctrl-M” (Curvas); clicamos
“Mostrar recorte” y seleccionamos
cuentagotas blanco; pulsamos el
detensor blanco, la imagen se vuelve negra
y nos fijamos si, de entrada, hay
zonas blancas, lo que significa que están
quemadas, carecen de información y,
por tanto, no nos sirven como zonas de
punto blanco; rodamos lentamente el
detensor a la izqda. Hasta que
aparezcan los primeros puntos negros
sólidos que son zonas de blancos –con
información- en la imagen;
seleccionamos el cuentagotas blanco y hacemos
clic en ese punto o esa zona negra, creando
una marca numerada
correlativamente. Clicamos en
cancelar para no aplicar cambios.
- Abrimos ventana de información y nos
fijamos en los valores para R,G y B de
la marca que creamos, debemos
igualar los de R y B al de G. Para ello,
creamos una capa de curvas, y,
clicando en la pestaña de RGB, seleccionamos
cada canal para, modificar su curva
viendo cómo se igualan los valores en la
ventana de información que tenemos
abierta.
-
Corrección de los tonos de la piel:
- Con la ventana de información abierta, y la herramienta de
cuentagotas
seleccionada, clicamos en un punto
de la piel con un tono medio y uniforme;
-
En la ventana de información vamos a la marca
creada, clicamos en el cuentagotas con una pestañita: Seleccionamos CMYK, y nos
fijamos en los
valores:
el de cián debe ser un tercio del de los otros dos, y el del amarillo debe ser
ligeramente superior al valor del magenta. Para variarlos, creamos una capa de
ajuste y seleccionamos el canal del color complementario al que queremos
modificar.
4.- Síntesis cromática:- Acoplar imagen. Modo 8 bits; Filtros: Artístico: Cuarteado: ir variando los niveles
hasta que nos guste más la síntesis o el efecto que nos genera la aplicación.
5.- Transformación de los tonos:
- Gama de colores: Activar casilla "Grupos de color localizados", y colocar
valores de Tolerancia 24 y Rango 18%, aproximadamente: Primero seleccionar el
cuentagotas de la izqda. y hacer clic en la zona del color que deseemos
seleccionar; con el cuentagotas con el signo +, vamos añadiendo zonas a la
selección hasta que veamos que queda nítida y toda blanca. Clicamos en Ok.
- Vamos a la pestaña de "Canales": Clic en la pestañita de la derecha para ver las
opciones, y clicamos en "Nuevo canal de tinta plana", con lo que se crea dicho
canal alfa, en el que podemos escoger el color que queramos y la solidez del
tono en el canal, que deberemos dejar en 100%.
PROYECTO "CONCURSO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFÍA DE EL PAÍS"
LA IMAGEN DE ESTA SEMANA (31 OCT-04 NOV) ES DE REUTERS...
EL RETRATO, UN CLÁSICO CONTEMPORÁNEO
LOS PRIMEROS GRANDES RETRATISTAS DE LA HISTORIA:
DAVID OCTAVIUS HILL (1802-1870) & ROBERT ADAMSON (1821-1848)
GASPARD-FÉLIX TOURNACHON ("NADAR") (1820- 1910)
ÉTIENNE CARJAT (1828-1906)
Marlene Dumas
Jule-die Vrou
1985
125 x 105cm
Jule-die Vrou is a disembodied portrait painting framed in extreme close-up; only the model's eyes and lips are fully rendered attributes of seduction and sexuality. The rest of the painting is obliterated by a corpulent fleshy pink, suggestive of femininity, sin, violence and womanhood. The contrast between representation, and abstraction suggests a psychological disparity, where morality, representation, and social convention are questioned.
‘I don't have any conception of how big an average head is, I've never been interested in anatomy. In that respect I relate like children do. What is experienced as most important is seen as the biggest, irrespective of actual or factual size. In the movies everything is larger than life and yet you experience that as real(istic); all my faces are much bigger than human scale. From blowing up to zooming in, for me the “close-up” was a way of getting rid of irrelevant background information and by making the facial elements so big, it increased the sense of abstraction concerning the picture frame. The elimination of the background also did away with the place of being and environmental context.'
‘As the isolation of a recognisable figure increases and the narrative character decreases (contrary to what one might initially assume that this lack of illustrative information would bring about), the interpretative effects are inflamed. The titles re-direct the work, however, they do not eradicate the inherent ambiguity. One cannot interpret the painting of Jule-die Vrou without entangling some of the root metaphors applied not only to the female, but to the idea of portrayal in general'. Marlene Dumas, 1992.
EL INSTANTE DECISIVO BRESSONIANO...
Creo que el gran Henri Cartier Bresson no me negaria
el compartir algo de su famosa frase en esta captura propia...
Este mes de noviembre de 2011 está muy movidito
en el panorama fotográfico
español y canario, particularmente.
En primer lugar, en la capital del reino, se celebra en la sede del espacio cultural La Fábrica, el
MES DE LA FOTOGRAFÍA, con una muy interesante programación.
Como aperitivo de los actos que ahí se celebran, vamos a escuchar una sugerente entrevista
realizada a Isabel Muñoz en el canal cultural de RTVE,
PARA EL BALANCE DE BLANCOS...
y ahora, la vista de una de las capturas originales...
AVANCES TÉCNICOS EN LA FOTOGRAFÍA
1.- PAPEL Y NEGATIVO FOTOGRÁFICOS
1.1.- CALOTIPO, TALBOTIPO o IMPRESIÓN AL PAPEL SALADO:
Significa "dibujo bello" (del griego "calos").
-Creado por William Henry Fox Talbot en 1835.
-Solicitó la patente el 8 de febrero de 1841.
-Los calotipos están hechos con la técnica del
PAPEL SALADO, descrita por Talbot en 1839:
Un papel de calidad era sumergido en sol. de
sal común (NaCl), secado con un paño y sobre
una de sus caras, se extendía una sol. de
AgNO3 con mucha agua, finalmente, se secaba
sobre el fuego. Así se formaba AgCl fotosensi
ble que al ser expuesto a la luz en la
cámara, se iba ennegreciendo progresivamente.
Talbot detenía el proceso gracias a un baño
en hiposulfito sódico (por consejo de su
amigo William Herschel).
Las emulsiones a base de sales de plata, se
dividen en POP (Printing Out Paper), que se
ennegrecen directamente a medida que la luz
UV atraviesa la emulsión, y DOP (Developing
Out Paper), que requieren de un baño químico
con un agente revelador para hacer visible la
imagen latente formada durante la exposición.
Para convertir el papel expuesto en un
negativo, Talbot le aplicaba una baño de cera
caliente para hacerlo translúcido; luego,
una vez seco, por contacto con otro papel
emulsionado y expuestos a la luz, se obtenía
una imagen positiva.
1.2.- NIEPCEOTIPO: Término empleado en honor del sobrino de
Nicéphore Niepce, CLAUDE FÉLIX ABEL NIEPCE DE
SAINT VICTOR, quien en 1847, describió un
método en el que empleaba una placa de
cristal como negativo fotográfico, recubierta
de albúmina sensibilizada con AgI (KI, sal
común y un baño en AgNO3).
1.3.- PAPEL A LA ALBÚMINA: Fue ideado en 1847 por el francés
LOUIS-DÉSIRÉ BLANQUART-EVRARD, fotógrafo y
editor francés. A partir de 1854 se
comercializó para el positivado de negativos
al colodión.
El papel para la copia de colodiones le era
aplicada una fina capa de clara de huevo con
sal común y KBr, se dejaba secar y se
introducía en una solución de AgNO3 para
formar AgBr fotosensible. Ésta era una sol.
POP que ennegrecía sin revelado químico.
Su uso decayó a partir de 1864, y, entre 1880
y 1895, fue olvidado por completo.
1.4.- COLODIÓN HÚMEDO: "El avance definitivo llegó con este
procedimiento, anunciado en 1849 por GUSTAVE
LeGRAY, en su "Tratado práctico de la
Fotografía", como receta del negativo de
papel que permitía reducir 15 veces el
tiempo de exposición del daguerrotipo,
aproximándose así al concepto actual de
fotografía instantánea."
Fue sin embargo sistematizado por el
escultor inglés FREDERICK SCOTT ARCHER, al
publicar ese mismo año un completo tratado
sobre el mismo.
"El procedimiento era conocido como algodón-
pólvora o piroxilina, un explosivo a base de
celulosa nítrica, que se disolvía en éter
alcoholizado, y era convertido en producto
fotográfico al añadirle AgI. Las operaciones
debían ser rápidas para mantener húmeda la
emulsión, y la placa así preparada se
instalaba en un chais, tapándose el reverso
con papel secante, y exponiéndose a la luz
un periodo variable de tiempo que podía ir
de 2 a 20 segs. Luego, tras el revelado, se
protegía la finísima capa de colodión con un
barniz, adoptando el nombre de cliché-verré,
y siendo usado durante más de 30 años."
1.5.- PROCEDIMIENTO AL CARBÓN (PAPEL AL CARBÓN,"CARBON
PRINT, CROMOTIPIA o FOTOGRAFÍA PERMANENTE):
"Este proceso fue patentado en Francia, en
1855, por LOUIS-ALPHONSE POITEVIN, y
perfeccionado posteriormente -en 1866- por el
británico JOSEPH WISON SWAN. Se utilizó sobre
todo en la impresión de retratos y la
ilustración de libros de arte.
El papel al carbón se comercializó desde 1864
con el nombre de papel permanente.
Pero el interés del público por este proceso
fue solo moderado pues resultaba mucho más
caro y difícil de ejecutar que las copias de
albúmina.
Su realización exigía de una gran habilidad,
pues requería de la transferencia de la
imagen en gelatina a otro papel de soporte."
"Se caracteriza por no tener plata, la imagen
se forma por un pigmento disperso en la
gelatina por un principio distinto al de las
sales de plata.
La sustancia sensible a la luz es la gelatina
impregnada de un pigmento oscuro y de sales de
cromo, que tienen la propiedad de endurecerse
en grado proporcional a la luz que reciben.
Así, se retiene el pigmento en las zonas que
han recibido la luz solar. El pigmento puede
ser carbón en polvo u otro pigmento oscuro."
"Aprox., el proceso es el siguiente: Se
extiende la emulsión de gelatina con el
pigmento y sensibilizada con bicromato de
potasio. Al secar, se pone en contacto con el
negativo y se exponen ambos a la luz. Según la
densidad del último, la gelatina se endurece
proporcionalmente. Luego el papel se coloca en
contacto con un papel de transferencia y ambas
hojas se sumergen en agua caliente,
transfiriéndose al nuevo papel las zonas de
de gelatina endurecida y disolviéndose las no
endurecidas. Por último, el positivo se somete
a un baño de aluminio con agua para
estabilizarlo.
Son copias permanentes pues el color no se
altera en ningún momento.
1.6.- GELATINO-BROMURO o PLACA SECA:
Fue ideado en 1871 por R.L. MADDOX, y mejorado
en 1878 por CHARLES R. BENNETT al aumentar la
sensibilidad de la gelatina.
A partir de 1882 acabaría con la esclavitud que
suponía el uso del colodión.
Las placas eran manufacturadas, vendidas en
cajas, y podían usarse, guardarse, y ser
reveladas en el momento más oportuno para el
fotógrafo.
En 1879, SWAN patentó el papel seco de bromuro
que es comercializado por la casa KODAK (d.1881-)
desde 1893.
1.7.- NEGATIVO FLEXIBLE DE CELULOIDE
GEORGE EASTMAN produjo la 3ª gran revolución de
la fotografía al comercializar desde su
carismática compañía EASTMAN KODAK COMPANY, a
partir de 1888, la 1ª cámara cargada con un
carrete de papel -rollo flexible-, la KODAK 100
VISTA. Se publicitaba con la famosa frase "Usted
aprieta el botón, nosotros hacemos el resto".
Entre 1863-68, el americano JOHN WESLEY HYATT inventó
un nuevo material plástico, combinando nitrocelulosa y
alcanfor, el celuloide: transparente, impermeable,
flexible, y extremadamente combustible. Otro americano,
HANNIBAL W. GOODWIN lo adaptaría para su uso como película
fotográfica, lo que luego conllevaría su uso en el cine.
En 1895, Eastman fabricó la primera cámara con carrete de
celuloide con un chasis metálico que permitía su carga a
plena luz: la BROWNIE.
El celuloide tuvo una larga vigencia a pesar de su
inflamabilidad. Fue sustituido paulatinamente por el
acetato de celulosa primero, en la película de 9,5 mm y de
16 mm para aficionados de la casa Pathé, en la década de
1920, pasando a llamarse "safety film" -por su baja
inflamabilidad-. Pero era muy quebradizo para la industria
del cine, con lo que fue mejorado y sustituido a partir
de 1940 por el triacetato de celulosa, tanto para película
fotográfica como cinematográfica. Aún se mejora más el
soporte plástico fotográfico, con la introducción en 1995
del poliéster para tal fin, siendo el más estable de los
plásticos utilizados. Luego se introdujeron los famosos
papeles PE (de poliestireno) o también llamados RC (Resin
coated), que estaban plastificados por ambas caras, lo que
facilitaba la labor de lavado de los mismos, aunque su
calidad y durabilidad es inferior a la de los baritados.
PRÓXIMOS TRABAJOS PRENAVIDEÑOS
1º FOTOGRAFÍA DIGITAL
Para que no se diga que no se predica con el ejemplo, aquí dejo
mis propuestas...
2º Creemos una revista-blog del Centro:
Para empezar diseñemos la página de portada de este mes
haciendo uso de un montaje digital.
Como siempre, ahí va mi ejemplo...
Como siempre, ahí va mi ejemplo...
formas (y empleemos una nueva herramienta de photoshop):
4º Utilicemos la selección para realizar una panorámica
publicitaria:
EXPERIMENTANDO CON LA PROFUNDIDAD DE CAMPO
STOLEN MOMENTS
VISIONES CONTEMPORÁNEAS DE LA NATURALEZA:
LOS DISCÍPULOS DE
BERND Y HILLA BECHER
(Kunstakademie de Düsseldorf),
entre otras...
BERND Y HILLA BECHER
(Kunstakademie de Düsseldorf),
entre otras...
1.- AXEL HÜTTE (Essen, Alemania, 1951)
- Exp. "Terra incógnita" (FCM, Lanzarote, 2004. Programa Arte-
Naturaleza. Artistas en residencia).
- Exp. "Tierras extrañas" (Fundación Telefónica, Madrid,
septiembre 2008).
2.- THOMAS RUFF
- Exp. "m.a.r.s." (CAC Málaga, 2011)
HAMISH FULTON (Londres, 1946)
- Exp. "Siete caminatas cortas" (FCM, Lanzarote, enero 2005.
Programa Arte-Naturaleza. Artistas en residencia).
YANN ARTHUS-BERTRAND
- Exp. "La tierra vista desde el cielo" (FCM, Lanzarote, marzo
2002. Programa Arte-Naturaleza. Artistas en residencia).
FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL:
LA ESCUELA DE VANCOUVER
1.- Jeff Wall
2.- Ian Wallace
+II.jpg)
3.- Roy Arden
4.- Rodney Graham
No hay comentarios:
Publicar un comentario